Florencio Asenjo (1926-2013) nació en Buenos Aires el 28 de septiembre de 1926. Estudió composición de forma privada con el compositor catalán Jaume Pahissa establecido desde 1937 en la Argentina. Asenjo se formó como matemático en la Universidad de La Plata.
Después de graduarse enseñó en La Plata, luego dirigió la sección de cálculo y estadísticas del Laboratorio Argentino de Materiales de Prueba e Investigaciones Tecnológicas antes de emigrar a los Estados Unidos.
Llegó a los Estados Unidos en 1958, donde se convirtió en profesor de teoría y matemáticas en la Universidad de Georgetown. Asenjo también enseñó en la Universidad del Sur de Illinois antes de unirse a la facultad de matemáticas de Pitt como profesor asociado en 1963. Ascendió a profesor titular en 1966 y se retiró en 2001. Durante su trabajo como matemático compuso durante su tiempo libre.
La “Sinfonía Nº 1 para instrumentos de cuerda” según la primera página del manuscrito fue compuesta entre el mes de noviembre de 1946 y el de agosto de 1948. Se estrenó en el Teatro Argentino de La Plata el 11 de octubre de 1953
El primer movimiento presenta un tema de carácter lírico que va incrementando su dramatismo, con una sección central más relajada, para intensificarse en la parte final
El segundo movimiento corresponde a la sección lenta de la sinfonía continuando el ambiente trágico del anterior movimiento. Un solo del primer violín le da un aspecto más esperanzador pero pronto regresan las cuerdas graves continuando con un carácter bastante sombrío. El carácter dramático se acentúa en la coda.
El tercer movimiento posee un carácter más dinámico. Un tema intenso más luminoso y melódico aparece en la parte central. Un solo del violín nos conduce a una sección de carácter rítmico, terminando con una apacible coda.
La «Sinfonía Nº 2» (Sinfonía maximalista) (Diálogos instrumentales para orquesta) fue compuesta entre el 1 de enero de 1977 y el 29 de abril de 1979, con una pausa de diez meses. Se estrenó el 5 de junio de 1981 interpretada por la Duquesne University Symphony Orchestra dirigida por Bernard Goldberg. Dividida en cuatro movimientos.
El compositor desarrolla un estilo propio al que llama maximalismo. Encontró que las repeticiones se habían instaurado en la música occidental. Normalmente se presentaba un tema fuerte inicial seguido por otro más suave, sin estar relacionados formalmente. No era el contraste entre los dos temas lo que era importante, sino el hecho de que el segundo tema realiza una transición natural a un nuevo territorio.
Entonces imaginando que esta transición podría continuar indefinidamente, decidió basar su composición en la creación de secuencias de temas, que tomados sucesivamente, eran cada uno un desarrollo de la música anterior.
No sería un desarrollo formal, o una variación de temas anteriores, sino la creación de temas completamente nuevos relacionados estéticamente con los anteriores, un desarrollo de la sustancia más que de la forma, así como los diversos personajes de una obra no repiten las mismas frases una y otra vez, excepto para fines especiales; más bien, cada uno se reincorpora al diálogo anterior para llevarlo más lejos, manteniendo al mismo tiempo la continuidad del significado y la atmósfera.
Asenjo calificó este enfoque de maximalismo, cuyo objetivo era lograr una alta densidad de contenido en constante cambio. No era que la repetición fuera prohibida, simplemente utilizada con moderación cuando realmente fuera necesario.
Witold Lutoslawski, que estaba en 1991 en Pittsburgh, Pensilvania, donde residía Asenjo, para una interpretación de algunas de sus obras, hizo la siguiente declaración a la prensa: Me gusta cuando las formas a gran escala se construyen sobre muchas ideas. Debería haber muchas ideas independientes. Creo que ahora la necesidad general es dotar de más sustancia a la música.
La «Sinfonía Nº 3» (Crystallizations) (Una sinfonía en estado naciente) fue empezada en 1982 pero interrumpida durante unos cinco años y terminada en Estoril el 15 de agosto de 1987. Estructurada en tres movimientos, el primero, lento, el segundo, andante y el tercero moderato
Después de su jubilación en 2001 Asenjo pudo dedicarse más ampliamente a la música, escribiendo el conjunto de obras más importantes y realizando viajes a Europa para sus grabaciones con el director orquestal Kirk Trevor con la Orquesta Filarmónica Eslovaca, la Cappella Istropolitana, la Filarmónica Bohuslav Martinu y la Orquesta Sinfónica Nacional de Eslovaquia, entre otras.
La “Sinfonía Nº 4” (Efusiones. Una sinfonía de transiciones) fue empezada según aparece en la primera página del borrador de La Joie de Vivre el 2 de diciembre de 1967 y terminada en 2003. Dos instrumentos de viento indicados en el manuscrito de la partitura completa. Sin embargo, en la partitura impresa sólo aparece un instrumento de viento. Escrita en tres movimientos.
El primer movimiento, La joie de vivre, es un allegro que presenta un tema vivo y saltarín, una expresión de la alegría de vivir. Un tema que va evolucionando
El segundo movimiento, Convictions, es un adagio con un tema cantabile introducido por la madera, que continúa el ambiente optimista mostrado en el anterior movimiento. Los motivos van pasando de un a otro instrumento en un ambiente relajado que expresa felicidad.
El tercer movimiento Fiestas, después de una breve introducción nos presenta un alegre tema de carácter rítmico, que mediante una serie de transiciones completa el ambiente optimista general de la sinfonía.
La “Sinfonía Nº 5” (Ubicuidades: una sinfonía de contrastes) fue compuesta en 2003. Está orquestada para flauta, oboe, clarinete en si bemol, fagot, trompeta en do, trombón, timbales, y cuerdas.
El primer movimiento, andante, toma la forma de una especie de diálogo entre grupos instrumentales. El tema principal escrito en amplios intervalos se desarrolla de la forma llamada maximalista por el compositor.
El segundo movimiento, moderado, corresponde al movimiento lento de la sinfonía, de carácter lírico, siguiendo en el mismo estilo que el anterior. La música va avanzando a través de diversas páginas separadas en forma de un diálogo.
El tercer movimiento, andante, continuando en el mismo estilo dialogante que los anteriores, posee una dinámica más acentuada. Solos del metal, madera y de la flauta, alternan con conjuntos instrumentales dominados por la cuerda y madera. El tema va evolucionando mediante diversas transiciones. Una especie de fanfarria de los metales cierra la sinfonía.
La “Sinfonía Nº 6” (Pasión y apoteosis) en dos movimientos fue compuesta en 2004, en una forma de escritura libre pero sin abandonar la tonalidad como en toda su obra.
El primer movimiento, Pasión, es un reflejo de las pruebas y tribulaciones que las fuerzas externas destructivas infligen en la mente. Empieza con un solo de clarinete, que introduce un tema, que se desarrolla con sentimiento a través de una cálida entrada de la cuerda y solos de la madera. En la parte central aparece un tema más dramático, que se va desenvolviendo en forma continuada. Sin poseer una estructura definida y sin repeticiones termina con una coda con cierto dramatismo.
El segundo movimiento, Apoteosis, se inicia como el anterior mediante solos de la madera alternando con la cuerda en forma de una progresión, que va aumentando su intensidad de un modo constante pero tranquilo. Después de un periodo de relajación una nueva intensificación nos conduce a la coda.
Según nos indica el compositor, específicamente, esta pieza está motivada por la pasión, o sufrimiento, que muchos autores creativos son conocidos por haber experimentado. Podemos considerar, por ejemplo, la vida de Marina Tsvetaeva y Simone Weil, para una idea concreta de lo que, en general, se supone que esta música significa.
Aunque de ninguna manera desconocida, la poesía de Tsvetaeva no fue plenamente reconocida hasta después de su muerte; vivió una vida difícil que terminó en suicidio. En cuanto a Simone Weil, la mayoría de sus escritos fueron publicados con un profundo desánimo que la hizo perder su voluntad de vivir. Del mismo modo, la «apoteosis» no pretende ser un clímax ruidoso, similar a Meyerbeer, sino la representación de una progresión tranquila y constante hacia el reconocimiento universal, una reintegración tardía con el mundo.
En el mismo año 2004 compone las obras orquestales «Tearings» en forma de suite y «Glimpses», que se puede traducir como ojeadas o vistazos. Pero en forma de miradas hacia el interior, diferentes estados de conciencia frente a diversas situaciones en forma de fantasía sonora.
La “Sinfonía Nº 7” (Resonances) para instrumentos solistas y orquesta, fue compuesta en 2006. Según dice el compositor no se trata de una Sinfonía Concertante en el sentido usual. En cada uno de sus cinco movimientos dos de los instrumentistas de la orquesta asumen el papel de solo en diálogo con la orquesta durante todo el movimiento.
Los instrumentistas designados para cada uno de los movimientos son, para el primero flauta y violoncelo, trompa en fa y violín para el segundo, clarinete en si bemol y viola para el tercero, fagot y violín para el cuarto y trompeta en do y violoncelo para el último.
El primer movimiento, andante, tiene la flauta y violoncelo como instrumentos solistas. Se inicia con el diálogo entre flauta y violoncelo contrastando las notas agudas de la flauta con las bajas del violoncelo. El tema de carácter bucólico va variando en un desarrollo continuo.
El segundo movimiento, adagio, con la trompa y violín como solistas, es de carácter lento pensativo, iniciado por el violín seguido por llamadas de la trompa. Acompañados por la orquesta inician también un diálogo contrastante entre ambos registros, con un carácter eminentemente lírico.
El tercer movimiento, allegro, tiene como solistas el clarinete y la viola. Se inicia con un relajado diálogo entre el clarinete y la viola, que va aumentando su intensidad en la parte central, para regresar a la tranquilidad inicial en un desarrollo de forma continua.
El cuarto movimiento, largo, con el fagot y violín como solistas, iniciado con un tema serio por el fagot es contestado en diálogo por el primer violín. El carácter concertante es muy acusado mediante solos individuales Un movimiento lento de carácter pensativo siguiendo el estilo evolutivo típico del compositor.
El quinto movimiento, moderato, tiene a la trompeta y violoncelo como instrumentos solistas. Empieza de manera viva en forma de fanfarria. Luego sigue un diálogo entre trompeta y violoncelo, también de forma contrastante por sus diferentes registros. La participación de la orquesta es más importante que en los anteriores movimientos, terminando con un tutti.
«The Odyssey» compuesta en 2006 es una suite orquestal de carácter descriptivo inspirada en la obra de Homero. En varios números emplea música del Cancionero Musical Español de los Siglos XV y XVI recogido por Francisco Asenjo Barbieri, que son totalmente diferentes del resto de la partitura.
En el mismo año compone «A Throw of the Dice» (Una tirada de dados), una breve obra sinfónica basada en A Throw of the Dice Will Never Abolish Chance (Una tirada de dados nunca inhabilitará la suerte) de Stéphane Mallarmé.
«Las mil y una noches» compuesta en 2007 consiste en diez impresiones para clarinete y orquesta, que intentan describir reacciones subjetivas a diez historias del famoso libro. El clarinete representa la voz de Sheherazade conduciendo los relatos.
La “Sinfonía Nº 8” (Sinfonía concertante) para instrumentos solistas y orquesta fue compuesta en 2008. Se puede describir por su carácter como música nocturna, en forma de un meditativo interludio nocturno. La sinfonía proporciona a los instrumentistas de la orquesta mostrar sus cualidades mediante diversos solos que sobresalen del conjunto.
El primer movimiento, moderato, contiene diversos solos de las maderas y metales que le proporcionan el aspecto de un concerto para orquesta.
El segundo movimiento, andante, se inicia mediante un solo de la madera contestado por la trompa, en un ambiente de características líricas. Continúa con un diálogo entre cuerdas y viento con un tema que se va desarrollando, pasando de uno a otro conjunto instrumental.
El tercer movimiento, andante, nos presenta un tema optimista mediante los metales, contestado por la cuerda siguiendo el estilo de la obra, fundamentado en el diálogo instrumental y en el proceso de continuo desarrollo.
Las «Tres imágenes sobre Don Quijote» compuestas en 2008 son también impresiones subjetivas sobre tres capítulos de la obra de Cervantes. La barca encantada, Vengo para ser ejecutado y No muera Señor Quijote son los títulos de sus movimientos. Por curiosidad nos extenderemos en el curioso título del movimiento intermedio. Véase «Don Quijote» (Segunda Parte Capítulo 51)
Sancho Panza recibió temporalmente el título de Gobernador de la ínsula Barataria. Uno de sus cargos era el de imponer justicia. Algo que nos recuerda las prohibiciones en este tiempo de pandemia, que vivimos en el momento de la escritura de estas páginas. Una ley que defiende Sancho Panza es que cualquiera que llegue a un determinado lugar tiene que declarar a los guardias el propósito de su visita. Si la respuesta es verdadera la persona quedará libre, pero si los guardias encuentran que es una mentira la persona será ejecutada.
Un viajero llega y declara, vengo para ser ejecutado. Si la sentencia se realiza es que el hombre ha dicho la verdad y por ello no debe ser ejecutado. Pero si queda libre significa que ha dicho una mentira y por ello debe ser ejecutado.
Sancho no sabe que decidir, pero por ser una persona caritativa deja al hombre libre. Esta situación realmente presenta un problema imposible de resolver, una contradicción, algo que es verdadero y falso a la vez, una antinomia.
Según el compositor el equivalente musical a una antinomia es la disonancia. To sound as more than one, to differ simultaneously in sound.
Otra de las curiosas obras de Asenjo es «The Batrachomyomachia» (La batalla entre las ranas y los ratones), una parodia de la Ilíada con los troyanos representados por las ranas y los griegos por los ratones. «Palm of the Hand Tales» (Un puñado de cuentos) es una música incidental para diez relatos de Yasunari Kawabata.
«Basile’s Pentameron» es una suite de música incidental sobre el Pentameron escrito por Giambattista Basile usando cuentos populares, algunos tan conocidos por adaptaciones posteriores como el de Cenicienta.
«El Nacimiento de Venus» compuesto en 2012 es una página sinfónica inspirada por el famoso cuadro de Botticelli.
«Recopilaciones del mundo de Lafcadio Hearn» compuesta en el mismo año se inspira en los cuentos del escritor inglés que afincado en Japón cambió su nombre por el de Yakumo Koizumi.
«El Gran Teatro del Mundo» según comenta el compositor, toma su título de una de las obras sacramentales de Calderón de la Barca: el mundo como escenario universal de acción con cada hombre y mujer como actor en un espectáculo inmenso.
El propósito de Calderón era tocar el tema del bien y del mal. Curiosamente, Franz Kafka escribió en su «Amerika» sobre «El Gran Teatro Integral de Oklahoma», un teatro universal al que todo el mundo es admitido como jugador. El teatro de Kafka es un escenario omnipresente en el que todos son bienvenidos a desempeñar un papel, su objetivo es terminar su historia con un espacio humano abierto y en expansión en el que todos sean aceptados.
Los teatros de Calderón y Kafka son muy similares a pesar de que Calderón vio al individuo como un actor innato en la obra mundial en curso y Kafka describiendo ese mundo como una opción abierta. Manuel de Falla reunió y transcribió varias obras de antiguos compositores para producir una breve secuencia de bocetos incidentales para ser utilizados por separado en una interpretación de la obra de Calderón, Aquí, «El Gran Teatro del Mundo» recibe un tratamiento musical más conectado compuesto por fragmentos cortos cada uno para ser visto como una obra de teatro, una porción finita de un reino infinito.
Con este propósito, tomé el escenario formal del «Pierrot Lunaire» del poeta belga Albert Giraud. Dejando de lado las concepciones pesimistas de Giraud, así como el expresionismo sombrío del notable entorno musical de Arnold Schönberg para el poema, elegí mantener sólo el esqueleto de ambas obras, sólo el patrón estructural porque, de hecho, no hay otra manera de ilustrar un gran todo aparentemente intratable, como el mundo entero, que a través de una secuencia finita de viñetas contrastantes, cada una de una plataforma desde la que superar al conjunto. Para estas viñetas he utilizado temas de obras anteriores mías: éstas deben ser mi identificación individual, mi entrada individual a «El Gran Teatro Integral».
Otras obras compuestas por Asenjo son el «Concierto para clarinete y orquesta» de carácter descriptivo o el «Concerto para orquesta».
«Glimpses at Borges Universe» (Ojeadas al Universo Borges), son tres impresiones para violín y orquesta. Jorge Luis Borges se sintió atraído repetidamente por el contraste entre lo finito y lo infinito como muestra en El jardín de los caminos forjados, la imagen de un universo con una serie infinita de diferentes tiempos, por Laberintos donde interminables galerías no conducen a ninguna parte, otra imagen del universo, y por El Aleph, que de ser un símbolo matemático para algunos números infinitos se convierte para Borges en el lugar donde todos los lugares del mundo, visto desde todos los ángulos, coexisten…, un punto en el que convergen todos los puntos…, un todo que no es mayor que cualquiera de sus partes, todo lo cual requiere un comentario musical.
«A Diptych of Lord Dunsany’s Tales» (Un Díptico de cuentos del señor Dunsany), está inspirado por la obra de otro autor fascinado con el tiempo y el infinito. Carcasona, una de sus fantasías, trata de un grupo de personajes tratando de llegar a esa hermosa y medieval ciudad francesa. Sin embargo, un sinfín de obstáculos surge durante el viaje, con lo cual nunca pueden llegar a Carcasona. El objetivo se sustituye por la marcha hacia el objetivo, como tantas veces ocurre en la vida real.
Esto recuerda a las paradojas del griego clásico Zenón dedicado a las relaciones entre espacio, tiempo y movimiento y al dicho budista el camino es el objetivo, no es que nunca se alcancen los objetivos, sino que cuando no lo son, el esfuerzo suplanta al objetivo, se convierte en el objetivo.
En los otros movimientos basados en las relaciones entre espacio y tiempo, sigue las historias de los relatos llenos de fantasía de Lord Dunsany (1878-1957).
Asenjo disfrutó de una reputación internacional en el estudio de la teoría matemática, dando conferencias en Argentina, Brasil, Venezuela, España, Portugal, Bulgaria, Polonia, Rumania, Los Países Bajos, Francia, Inglaterra, Suecia, Liechtenstein, Bélgica e India, con investigaciones publicadas en revistas de todo el mundo.
Compuso además música para piano, así como música de cámara Mientras continuaba escribiendo y dando conferencias, en su retiro Asenjo dedicó más tiempo a su música.
Después de su jubilación tuvo más tiempo para componer música y para dirigir varias grabaciones realizadas por varias orquestas europeas, con Kirk Trevor como director. Florencio viajó a Europa para cada grabación seleccionando las imágenes para las portadas de los discos y escribiendo las historias que se ocultaban detrás de su música
También nos encontramos con la paradoja que nos interesa más la historia que se oculta detrás de su música que su propia música, pues resulta muy difícil traducir en música muchos pensamientos filosóficos.
Juan J. Manfredi, vicerrector de estudios de pregrado y profesor de matemáticas, dijo sobre Asenjo: Era un verdadero hombre renacentista. Su área de especialización era la lógica matemática, pero también trabajó en filosofía, siempre se sintió atraído por la filosofía y fue un músico talentoso. Era un profesor clásico, interesado en entender el mundo. Un nuevo hombre renacentista: No sólo era bueno en estas cosas, sino que tenía interés en ellas.
Florencio González Asenjo muere el 10 de junio de 2013 en Pittsburgh, Pensilvania. Su esposa durante 47 años, Bethsabe Pastorius Nelles, lo precedió a la muerte en 2007. Entre sus descendientes se encuentran su hijo, Julián, que es miembro del personal del Centro de Estudios Latinoamericanos de Pitt, y su hija Leonor, de Argentina.