SCHÖNBERG

Arnold Schönberg (1874-1951) nació en Viena el 13 de septiembre de 1874, hijo de un zapatero nacido en Hungría y de una madre que había vivido en Praga. A los nueve años ya tocaba el violín y componía de manera autodidacta. A la muerte de su padre en 1889 para mantener a la familia empezó a trabajar como empleado en el banco Wiener Privatbank Werener & Co.

Según sus memorias personales tres personas contribuyeron a su formación. Oskar Adler que lo formó en teoría de la música, poesía y filosofía. David Joseph Bach quien despertó su conciencia ética y moral, creando también una oposición a lo común y popular y Alexander von Zemlinsky que conoció al ingresar como violoncelista en 1885 en la orquesta amateur Polyhymnia.

Gracias a Zemlinsky pudo presentar una de sus primeras obras, el "Cuarteto de cuerda en re menor" compuesto en 1897 en la sala Bösendorf de la Sociedad Musical de Viena. Una obra influenciada por la música de Brahms. Al mismo año pertenece el "Scherzo y trío en fa mayor" también para cuarteto de cuerda.

Las únicas clases profesionales de música las recibió de su amigo Zemlinsky, pero la mayoría de su formación fue autodidacta estudiando las obras de los grandes músicos, especialmente de Johannes Brahms, Richard Wagner, Gustav Mahler, Johann Sebastian Bach y Amadeus Mozart.

Cuando pudo abandonar su trabajo en el banco asumió la dirección de diversos coros, entre ellos el coro Freisinn de Mödling y el coro masculino de canto de Meidling. En 1899 compone una de sus primeras obras importantes "Verklärte Nacht" Op.4, noche transfigurada, para sexteto de cuerda, que posteriormente en 1917 adapta para orquesta de cámara y revisa en 1943. Estrenada el 18 de marzo de 1902 por el cuarteto Rosé produjo un escándalo entre el público, que la encontró demasiado avanzada para su tiempo.

Una obra programática basada en el poema de Richard Dehmel Zwei Menschen, dos seres, las confesiones de una muchacha, que espera un hijo de un anterior amor, a su nuevo amante, una redención a través del amor. Expresada en un lenguaje postromántico de estética wagneriana llega a los límites de la tonalidad.

El 7 de octubre de 1901 Schönberg se casa con Mathilde, la hermana de su maestro y amigo Zemlinsky que había quedado embarazada en la primavera del mismo año. El matrimonio tuvo dos hijos, Gertrud en 1902 y Georg en 1906.

En el mes de diciembre de 1901 se trasladan a Berlín donde invitado por Richard Strauss empieza en 1902 a dar clases de armonía en el Conservatorio Stern, pero al siguiente año regresó a Viena donde estableció una relación personal con Gustav Mahler.

Entre 1902 y 1903 compone su primera obra orquestal "Pelleas und Melisande" Op.5 un poema sinfónico basado en el drama del mismo título del escritor belga Maurice Maeterlinck. Escrito en un lenguaje expresionista pos wagneriano parecido al de su obra anterior. Dirigirá personalmente su estreno en 1905.

Una importante obra que empezó anteriormente son los "Gurrelieder", una amplia cantata para solistas vocales, narrador, coro y una gran orquesta empezada en el mes de marzo de 1900. Intentó terminar su orquestación en 1903 sin lograrlo. La acabó entre 1910 y 1911 en una época en que su estilo había cambiado totalmente.

Se estrenó en el Musikverein de Viena el 23 de febrero de 1913 bajo la dirección de Franz Schreker con un notable éxito por parte del público, que se había esperado encontrar algo más progresista al relacionarlo con la música atonal que por aquella época había compuesto.

Una cantata nórdica de influencia wagneriana, que si se hubiera estrenado diez años antes hubiera presentado grandes novedades armónicas, superadas ampliamente en 1913. Pero a pesar de ello las primeras obras de Schönberg han sido siempre las más aceptadas por un público, que nunca pudo comprender las nuevas obras basadas en la atonalidad y el dodecafonismo.

En 1904 cofundó la Sociedad de Compositores. Entre sus alumnos destacan Anton Webern y Alban Berg.. Empieza la composición de obras que se sitúan en los límites del sistema tonal como el "Cuarteto de cuerda Nº 1" Op.7 terminado en 1905, obra que creó una gran polémica.

La “Sinfonía de cámara Nº 1 en mi mayor” Op.9 fue compuesta entre 1906 y 1907 cuando todavía no había roto totalmente con la tonalidad, pues subsiste en su fondo la tonalidad en mi mayor. Se estrenó el 8 de febrero de 1907 en Viena interpretada por el cuarteto Rosé, junto con un conjunto de viento de la Filarmónica de Viena bajo la dirección de su compositor.

En 1913 Schönberg volvió a dirigir la pieza, como parte del famoso Skandalkonzert, en la que las tonalidades heterodoxas de la Sinfonía y, más aún, de las obras de su estudiante Alban Berg incitaron a los asistentes a violentas protestas, terminando prematuramente el concierto.

Está orquestada para flauta doblando piccolo, oboe, corno inglés, dos clarinetes, clarinete bajo, fagot, contrafagot, dos trompas y un quinteto de cuerda.

Escrita en un solo movimiento adopta la forma sonata con varias secciones entrelazadas, que se unen en un todo compacto. Una breve introducción nos conduce a la exposición, que actúa como un primer movimiento allegro, con un animado primer tema interrumpido por dos ideas más relajadas y una expresiva melodía que sirve como segundo tema, terminando con una breve coda.

A continuación la esperada transición nos conduce hacia el scherzo, cuya energía es apenas compensada por una sección en forma de trío, seguida por un desarrollo cada vez más exaltado de ideas de secciones anteriores. Sin pausa la música se calma repentinamente en un movimiento lento, adagio, que comienza por reafirmar la introducción, abriéndose pronto a un discurso muy expresivo. Lo que actúa como final está basado en temas anteriores en forma de recapitulación. La música aumenta su fuerza hasta que termina en una precipitada coda

La obra bastante abstracta está escrita en una forma comprimida con una orquestación reducida a quince instrumentos, que comprenden ocho viento maderas, dos trompas y un quinteto de cuerda. Una interpretación compleja que intenta equilibrar las fuerzas con unas texturas muy trabajadas difíciles de percibir. El compositor intentó realizar una versión para orquesta completa en 1923 y en 1935, sin embargo su carácter esencial se aprecia mejor en su versión de cámara. Su discípulo Anton Webern realizó dos transcripciones más adecuadas para flauta, clarinete, violín, violoncelo y piano la primera y para piano, dos violines, viola y violoncelo la segunda, entre 1922 y 1923.

La crisis personal y la tendencia de su música a ser más cromática le llevaron al abandono de la tonalidad en partes de su "Segundo Cuarteto de Cuerdas" compuesto en 1908 que requiere la intervención de una soprano y en el ciclo de canciones "Das Buch der hängenden Gärten" de 1909.

Destacan durante este período de libre expresionismo, las "Cinco Piezas Orquestales" compuestas en 1909, como una forma de componer sin tonalidad definida en busca de una nueva forma de expresión. En esta época aparece el concepto de Klangfarbenmelodie, melodía de colores de sonidos. Cada nota o conjunto de notas es tocada por un instrumento diferente, con lo cual la melodía cambia tanto de tono como de timbre o sea de color sonoro. Emplea esta técnica en la tercera pieza que titula Colores.

Schönberg compone el mono drama "Erwartung" Op.17 en 1909 y una obra de penetrante ironía, el "Pierrot Lunaire" Op.21 en 1912 una moderna versión de la Commedia dell'Arte, un ciclo de canciones para soprano y conjunto de cámara. También trabajó a partir de 1915 durante años en el oratorio para solistas vocales, coro y orquesta "Der Jakobsleiter", la escalera de Jacob, que dejó inacabado.

Durante el periodo entre 1906 y 1912 Schönberg se dedicó también con entusiasmo a la pintura realizando 361 cuadros, con los que efectuó unas diez exposiciones, entre ellas la llamada El Jinete Azul iniciada por su colega Vasili Kandinsky.

En 1910 su solicitud para ocupar la cátedra de composición en la Academia de Viena es rechazada. Regresa en 1911 a Berlín como profesor del Conservatorio Stern. Durante la Primera Guerra Mundial en 1915 es llamado al ejército como oficial de reserva pero nunca fue enviado al frente.

Después de la guerra funda en Viena la Sociedad para Interpretaciones Musicales Privadas destinada a introducir obras nuevas al público. Entre 1920 y 1923 compone las "Cinco piezas para piano" Op.23. Durante la escritura de la quinta pieza de esta obra, el Vals, en el verano de 1921 introduce un método revolucionario de composición, el método de las doce notas sin tener ninguna relación entre ellas, lo que se llamará estilo dodecafónico. Algo que tendría profundas consecuencias para la composición musical durante el próximo medio siglo.

Según el testimonio de uno de sus alumnos Schönberg confesó que había realizado un descubrimiento que asegurará el predominio de la música alemana durante los cien próximos años. En 1923 publica el Método de composición con doce sonidos, donde establece los fundamentos de la música dodecafónica.

La música cambia notablemente después de la guerra, dando voz a la ansiedad, los terrores interiores y al cinismo de la vida humana. Las técnicas convencionales se distorsionan y se evitan las armonías bellas apareciendo las disonantes, usando la atonalidad y polifonías complejas. Schönberg busca un método para volver al clasicismo a través de esta atonalidad, llegando a las reglas de la música dodecafónica como una nueva tonalidad.

En el dodecafonismo se forman series de doce notas todas diferentes en un orden particular. A partir de esta serie se inicia la composición usando las doce notas, en forma de acordes o sea con notas simultaneas o en forma de melodía una después de otra y volviendo a empezar al completarse la serie. Para su interpretación pueden usarse los instrumentos elegidos por el compositor y establecer su dinámica.

A partir de la serie se realizan variaciones, en versión retrógrada o sea invirtiendo la serie, en inversión interválica o sea que los intervalos ascendentes se convierten en descendentes o viceversa, y en inversión retrógrada, además de las transposiciones a cualquiera de los doce tonos. En total son posibles 48 variaciones. Mediante el uso de técnicas contrapuntísticas se pueden realizar infinitas variantes de un método totalmente nuevo, que abandona toda la armonía clásica.

La nueva melodía resulta irreconocible y los resultados son duros para el oído, sirviendo para expresar situaciones trágicas o dolorosas pero incapaz de expresar la felicidad o la comedia. El otro defecto observado es la falta de libertad. Con la llegada del atonalismo la música se había liberado de las rígidas reglas impuestas por la tonalidad y la armonía clásica. Pero Schönberg impone unas nuevas reglas que terminan nuevamente con la libertad.

El 18 de octubre de 1923 muere su esposa Mathilde en Mödling. El 28 de agosto de 1924 contrae un nuevo matrimonio con Gertrud Kolisch, la hija de su discípulo Rudolf Kolisch. El matrimonio tendrá tres hijos Nuria nacida en 1932, Ronald en 1937 y Lawrence nacido en 1941.

                       Nuria Schönberg y Luigi Nono

Nuria que se casará con el compositor italiano Luigi Nono requiere un pequeño comentario para los catalanes que pueden extrañarse por su nombre de origen catalán. Su padre cuando se encontraba en Berlín enfermó de asma. Su alumno Robert Gerhard le recomendó buscar un clima más cálido, especialmente la ciudad de Barcelona.

Llegó a la ciudad en el mes de octubre de 1931 viviendo en una casa en el barrio de Vallcarca, permaneciendo hasta el mes de julio de 1932. Durante su estancia escribió parte de su ópera inacabada empleando la técnica dodecafónica "Moisés y Aarón".

En Barcelona nació su hija en el mes de mayo de 1932 y a pesar de ser hija de un judío la bautizaron como católica y le pusieron un nombre catalán el de la Virgen de Nuria, patrona de un monasterio que se encuentra en un valle de las montañas de los Pirineos. En 1985 regresó a Barcelona con motivo del estreno en el Teatro del Liceo de la ópera "Moises y Aaron" de su padre.

La “Sinfonía de cámara Nº 2” Op.38 fue empezada en agosto de 1906 y luego abandonada hasta su finalización durante el verano de 1939, terminando el primer movimiento el 14 de agosto y el segundo el 21 de octubre de dicho año. Durante este largo recorrido el estilo del compositor había cambiado radicalmente. En la época de su inicio el compositor se encontraba en un momento de profundo cambio. Intentó continuarla en 1911 y nuevamente en 1916 sin éxito. Su camino hacia las técnicas dodecafónicas impidieron su continuación.

La obra quedó abandonada hasta que en 1939 el director Fritz Stiedry le pidió una pieza orquestal para su New Friends of Music Orchestra de New York. Finalmente se estrenó el 14 de diciembre de 1940 bajo la dirección de Fritz Stiedry.

Está orquestada para dos flautas, doblando piccolo, dos oboes, doblando corno inglés, dos clarinetes, dos fagots, dos trompas, dos trompetas y cuerda. Dividida en dos movimientos.

Cuando regresó a la obra 33 años más tarde, fue posible porque sentía que su estilo anterior tenía posibilidades inexploradas. En una carta a Fritz Stiedry, Schönberg abordó el problema de regresar a su pasado:

Durante un mes he estado trabajando en la Segunda Sinfonía de Cámara. Paso la mayor parte del tiempo tratando de averiguar ¿Qué estaba buscando aquí el autor? De hecho, mi estilo se ha profundizado mucho desde entonces, y me resulta difícil conciliar lo que entonces escribí razonablemente, confiando en mi sentido de la forma y no pensando demasiado, con mis extensas demandas actuales con respecto a la lógica 'visible'. Hoy esa es una de las principales dificultades, ya que también afecta al material.

Este material es muy bueno, expresivo, característico, rico e interesante. Pero está destinado a interpretarse a la manera que yo era capaz de hacerlo en el momento del Segundo Cuarteto. El primer movimiento está terminado. He alterado muy poco, sólo el final es completamente nuevo y la instrumentación. En algunos lugares he alterado la armonización y he cambiado las figuras de acompañamiento con bastante frecuencia. Después de numerosos experimentos, decidí reelaborarlos completamente. Estoy muy satisfecho con el movimiento. Además, es fácil de interpretar; muy fácil.

Ahora estoy trabajando en el segundo movimiento. Si tengo éxito en terminarlo, será bastante eficaz, un Allegro muy animado. El último movimiento o sea el final del segundo movimiento es un "epílogo", que lleva material temáticamente nuevo. Los problemas musicales y "psíquicos" se presentan exhaustivamente en los movimientos completados, el movimiento final se limita a anexar, por así decirlo, ciertas "observaciones".

Schönberg añadió 20 compases en 1939 al primer movimiento original, escribió la mitad del segundo movimiento y reorquestó las primeras partes de la obra. También esbozó 127 compases de un tercer movimiento, adagio, que después eliminó por considerarlo innecesario.

Existe el debate de saber porque al terminar esta sinfonía regresó a una tonalidad que había desechado en posteriores obras. En el ensayo escrito en 1948 por el compositor "On revient toujours", se regresa siempre, parece aclararlo.

El destino había querido que no continuara en el estilo de mis primeras obras, como en la Noche Transfigurada o los Gurrelieder o incluso en Pelleas y Melisande. El Ser Supremo me había ordenado un camino más difícil. Pero el anhelo de regresar al estilo más antiguo siempre había sido fuerte y de vez en cuanto tuve que ceder a este impulso.

El primer movimiento, adagio, es de carácter melodioso y dramático sin ser ni atonal ni dodecafónico. Puede clasificarse dentro del movimiento neoclásico. Los primeros violines se combinan con flauta, oboe y el primer clarinete, mientras que los segundos violines se emparejan con el segundo clarinete y las cuerdas graves con duplicaciones de octava.

Una música comparable a la de la Noche Transfigurada, empleando unos amplios temas de carácter lírico, que se desarrollan hasta llegar a un breve clímax para regresar en una especie de recapitulación.

El segundo movimiento, con fuoco, lento, empieza con un animado allegro ricamente polifónico, que parece más difícil de interpretar que el anterior. Empieza mediante un tema rítmico agitado que sufre un desarrollo bastante anguloso con momentos de fuerte tensión. La última sección es más calmada pero contiene inquietos motivos que se intensifican en la coda.

Después de componer las brillantes "Variaciones para orquesta" en 1928, empleó también la técnica dodecafónica para componer una ópera de gran fuerza expresiva, "Moses und Aron" en 1932 que dejó inacabada.

Su título inicial Moses und Aaron tenía 13 letras, pero su espíritu supersticioso lo llevó a suprimir una de las letras a y así dejar el título con 12 letras. Una obra basada en la rivalidad entre Moisés y el sacerdote Aaron, que culmina con la escena de la adoración del becerro de oro.

En septiembre de 1933 le fue retirado por el gobierno nazi su cargo de profesor de composición de la Academia de las Artes de Prusia debido a la persecución racista. Por ello el compositor volvió a recuperar su fe judía, emigrando un mes después a los Estados Unidos.

Después de pasar un año en Boston y New York se dedicó a la docencia. Primero en la Universidad del Sur de California y luego en la Universidad de California en Las Angeles. En 1940 obtuvo la nacionalidad estadounidense.

Durante su estancia en los Estados Unidos escribió el poderoso "Concierto para violín" Op.36 en 1936, un concierto de carácter serial muy difícil de interpretar y el "Cuarto cuarteto de cuerda" en 1937.

Hace un ingenioso uso de elementos tonales en la "Oda a Napoleón" Op. 41 para recitador, cuarteto de cuerda y piano, obra compuesta en 1941 como acto de protesta contra la tiranía. El "Concierto para piano" Op.42 fue compuesto en 1942. La dificultad que ofrece al público la escucha de las obras dodecafónicas hace que su popularidad sea escasa, por lo cual son muy poco interpretadas.

Regresa nuevamente a la música tonal para componer el "Tema y variaciones" Op.43 para orquesta de viento, una demanda de editores americanos que le piden una pieza para poder ser interpretada por bandas universitarias.

Lo más destacado de sus últimos años incluyen un "Trío de cuerdas" escrito en 1946 y "Un Superviviente de Varsovia" Op.46 de 1947 para narrador, coro masculino y orquesta, inspirada en hechos ocurridos durante la pasada guerra, sobre la persecución del pueblo judío.

Está realizada mediante una serie dodecafónica que crea una atmósfera de terror sobre el texto recitado, terminando con el coro cantando un salmo judío. Tanto en esta obra como un el testamento de su humanismo, el inacabado ciclo "Salmos Modernos" de 1950 consagra elocuentemente sus creencias religiosas.

Schönberg después de haber sufrido una crisis cardíaca en 1946, murió en Los Angeles el 13 de julio de 1951 de su enfermedad cardíaca. Fundador de la llamada Segunda Escuela de Viena entre sus seguidores más importantes se encuentran Alban Berg y Anton Webern. También el director de orquesta y compositor francés Pierre Boulez ha seguido su camino.