JOLIVET

André Jolivet (1905-1974) nació en París en el barrio de Montmartre, el 8 de agosto de 1905 en el seno de una familia de artistas. Estudió primero con su madre y luego piano con Henriette Casadesus. Estudio de modo privado violoncelo y luego a partir de 1928 composición con Paul Le Flem obteniendo una sólida formación en armonía y contrapunto.

Después de escuchar un concierto de Arnold Schönberg empezó a interesarse por la atonalidad. Recomendado por Le Flem, entre 1930 y 1933 fue el único estudiante europeo de Edgard Varèse cuando vivía en París, ampliando sus conocimientos sobre acústica, composición atonal y orquestación.

Jolivet escribe sobre su maestro, Varèse me ha interesado en los sonidos, en nuestro trabajo buscábamos nuevas sonoridades y estudiábamos las leyes de la acústica, utilizando al máximo los timbres inhabituales pero naturales de cada instrumento, como también los modos y ritmos orientales, especialmente los indios.

Casado el 18 de septiembre de 1929 con una violinista, Martine Barbillon, en su primera época como compositor escribe obras de cámara para piano y violín, como "Grave et Gigue" compuesta en 1930 de carácter modal o "Air pour bercer" del mismo año compuesta para la celebración del nacimiento de su primera hija.

La "Sonata para violín y piano" compuesta en 1932 muestra la influencia de Varèse por su carácter atonal libre que intenta acoplar a la forma clásica. Compuesta en el mismo año "Aubade" para violín y piano contrasta notablemente por su carácter melódico y lírico, una obra que se supone para su propio uso para interpretarla junto a su esposa.

Una de sus primeras piezas para orquesta es la "Suite Symphonique" también de 1932 de la que realizó una versión para piano a cuatro manos de dos de sus movimientos con el título de "Choral et Fugato", obra de carácter atonal.

El 20 de octubre de 1932 e divorcia de su primera mujer Martine Barbillon conservando la custodia de su hija. Pero pronto conoce a Hilda Guighui con la que se casará el 26 de septiembre 1933.

El "Andante para cuerdas" compuesto en 1935 es una transcripción del movimiento central de su anterior Cuarteto de cuerda. Fue estrenado por la orquesta femenina de Jane Évrand, única en su época. Música de carácter atonal.

Maurice Martenot inventó en 1928 un instrumento musical electrónico al que denominó como Ondes Martenot. Se basaba en el theremin un instrumento patentado por el ruso Lev Theremin, amigo de Varése y conocido por Jolivet. En este instrumento es el instrumentista quién controla la frecuencia e intensidad de las notas mediante dos antenas que detectan la posición de las manos.

Las Ondes Martenot es un instrumento de teclado de seis octavas que permite gran variedad de frecuencias y timbres, desde el puro ruido a claras notas musicales. Aficionado a la innovación y fascinado por el instrumento el compositor escribe las siguientes frases.

Las ondes Martenot se usan por su rango y poder casi ilimitado y especialmente porque la producción radio-eléctrica de sonido es tan pura, que está más cercano que cualquier otro instrumento al sistema ondulatorio universal, lo cual significa que puede afectar directamente nuestro magnetismo.

Esto concordaba con sus ideas místicas. Por ello en 1935 compone los "Trois poèmes pour ondes Martenot et piano", adaptando obras atonales escritas anteriormente para otros instrumentos. Otra de sus obras adaptadas para ondas Martenot es la "Ouverture en rondeau" compuesta en 1938 para cuatro ondes Martenot, piano y percusión, con un carácter rítmico de influencias del jazz.

En 1936 junto con Olivier Messiaen, Daniel Lesur e Yves Baudrier fundan el grupo La jeune France, aspirando a realizar un tipo de composición más humano y menos abstracto. Según su manifiesto el objetivo principal del grupo era crear y hacer crear una música viva. El grupo continuará con fe la obra de los grandes del pasado, que hicieron de la música francesa, en este siglo, una de las más puras joyas de la civilización. Adoptaron como divisa, ¡para el humanismo y la religión! acompañada de sinceridad, generosidad, conciencia.

La Segunda Guerra Mundial interrumpió el trabajo del grupo. Jolivet fue movilizado pasando año y medio en el ejército como suboficial de una batería motorizada. Jolivet se fue alejando del atonalismo para volverse más lírica retornando a la tonalidad acentuando el aspecto lírico pero sin renunciar a su moderno estilo personal.

Las "Cinco Danzas Rituales" para orquesta fueron compuestas en 1939. Reflejan las etapas más importantes de la vida de los pueblos primitivos. Denominada como La Sacre du Printemps francesa busca nuevos métodos de expresión basados en el ritmo y el melodismo, realizando una música fuertemente impresionista.

Jolivet también escribe música de ballet, entre la que se encuentra el "Ballet des étoiles" una pequeña pieza para conjunto instrumental compuesta en 1941.

El "Nocturne" compuesto en 1943 es de carácter melódico, dando preponderancia a la cuerda que había practicado durante su juventud. "Chant de Linos" compuesta en 1944 es una obra para flauta y piano de carácter virtuoso escrita para un concurso de flauta del Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París. Jolivet apreciaba el sonido de la flauta para la cual escribe importantes obras.

Otra de las obras compuestas para el citado Conservatorio es la "Sérénade para oboe y piano" escrita en 1945 esta vez para un concurso de oboe. La "Petite Suite para quinteto de cuerda, piano y percusión" compuesta en 1947 es una obra más ligera con reminiscencias folclóricas.

El primero de su amplia serie de conciertos es el "Concierto para Ondas Martenot y orquesta" escrito en 1947. Continúa su afición por un instrumento que prácticamente ha desaparecido en nuestros días.

La "Hopi Snake Dance" para dos pianos compuesta en 1948 está dedicada al retorno de Darius Milhaud a Francia que había emigrado a los Estados Unidos durante la persecución nazi. Danza ritual de los indios americanos Hopi emplea el poder percusivo del piano.

El "Concertino para trompeta, piano y cuerdas" compuesto en 1948 también para un concurso del Conservatorio es una obra de gran dificultad para el instrumentista. Jolivet aumentó la capacidad expresiva de la trompeta para la cual compuso diversas obras.

El "Concierto para flauta y orquesta de cuerda" compuesto en 1949 nos muestra otro de sus instrumentos preferidos, la flauta, en una obra de acentos franceses. El "Concierto para piano y orquesta" compuesto en 1950 ganó el Grand Prix de la critique lyrique et chorégraphique de Paris en 1958. Estrenado en 1951 en el Festival de Estrasburgo fue recibido con gran escándalo por parte del público que mientras unos lo silbaban estrepitosamente otros aplaudían.

Se trata de tres cuadros sinfónicos inspirados en la música de África, el Oriente Próximo y la Polinesia, de gran riqueza rítmica. Pero su estilo con referencias a Bela Bartok no fue apreciado por el público que en el día del estreno lo recibió con silbidos mientras otra parte lo aplaudía.

Durante muchos años, desde 1943 a 1959, Jolivet fue director musical y director de orquesta de la Comédie Française, componiendo música de escena para muchas piezas teatrales. Como director de orquesta en el mes de mayo de 1950 realiza en Barcelona el estreno español de la "Création du monde" de Darius Milhaud.

Realmente Jolivet no componía una música fácil, ni para el intérprete ni para el público, como también puede verse en su "Concierto para arpa y orquesta de cámara" escrito en 1952 empleando el arpa de manera que se adapte a su peculiar estilo postromántico.

La “Sinfonía N° 1” fue compuesta en 1953 durante la década más productiva del compositor. Se estrenó en Haïfa el 30 de mayo de 1954 y presentada en París nueve días después bajo la dirección de Charles Münch.

El primer movimiento, allegro strepitoso, empieza mediante un tema agresivo contrastando con el segundo que podríamos calificarlo como misterioso. Después de un desarrollo bastante tumultuoso la recapitulación cierra el movimiento.

El segundo movimiento, adagio, empieza de un modo vacilante hasta que el primer violín nos presenta un tema pensativo que se desarrolla en forma de arco. Después de alcanzar su punto álgido se va desvaneciendo en una atmósfera trágica.

El tercer movimiento, allegro veloce, correspondería al scherzo, pero lo hace de un modo polirítmico bastante confuso y personal, creando un ambiente bastante dramático.

El cuarto movimiento, allegro corruscante, empieza con llamadas de las trompetas en un ambiente polirítmico. Aires de marcha nos conducen a una especie de tema procesional que cierra la obra.

Una obra de música pura que a pesar de todo se inspira en cuestiones filosóficas eternas sobre la vida y la muerte, lo cual justifica su aspecto eminentemente dramático.

La "Fantasía - Impromptu para saxofón y piano" compuesta en 1953 tiene influencias de la música de jazz en su segunda sección, mientras que la "Fantasie-Caprice" para flauta y piano del mismo año presenta libre atonalidad.

En 1954 compone el "Concierto para fagot y orquesta de cámara" de estilo postromántico. El "Concierto Nº 2 para trompeta y orquesta" compuesto en 1956 también recibe influencias del mundo del jazz para expresar los pensamientos espirituales de Jolivet.

Jolivet compone en 1956 el oratorio "La Vérité de Jeanne" para la celebración de los quinientos años del proceso de rehabilitación de Juana de Arco que contiene tres interesantes interludios sinfónicos.

El "Concierto para percusión y orquesta" compuesto en 1958 es otra muestra de sus originales conciertos. La "Sonata para flauta y piano" del mismo año recobra parte del estilo de sus primeras obras.

La “Sinfonía N° 2” fue compuesta en 1959 y estrenada durante el Festival de Berlín, el 3 de octubre de 1959, interpretada por la Norddeutscher Rundfunk Orchestra dirigida por Hans Schmidt-Isserstedt. Una obra de la cual no existe actualmente ninguna grabación comercial. Orquestada para madera por triplicado, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, cuatro percusionistas y cuerda.

El 10 de noviembre de 1960 se estrenó en los Estados Unidos, en el Ford Auditorium de Detroit, interpretada por la Detroit Symphony Orchestra dirigida por el propio compositor

Escrita en un estilo moderno bastante atonal da gran importancia a la percusión. El primer movimiento es un allegro bastante tumultuoso. El segundo movimiento, un andante que contrasta con el anterior continúa con el empleo de disonancias. Un tiempo lento bastante fantasmagórico. El tercer movimiento un nuevo movimiento agitado de forma parecida al primero con gran intervención de la percusión y amplias disonancias. Una sección intermedia más apacible proporciona algo de descanso antes de la coda final. Una obra bastante difícil de ser asimilada por el público por su carácter atonal.

El "Adagio para cuerdas" compuesto también en 1960 ilustra el cuadro del Greco El entierro del Conde de Orgaz. Su carácter sombrío descriptico de tipo expresionista la hacen algo más accesible.

La “Sinfonía para cuerdas” fue compuesta en 1961 poco después de su anterior adagio. Se estrenó en la Radio française el 9 de enero de 1962, interpretada por la Orchestre National dirigida por Manuel Rosenthal.

El primer movimiento, farouche, de carácter vivo posee una fuerte tensión rítmica con numerosas disonancias y una densa polifonía que hacen difícil su audición.

El segundo movimiento, flottant, contrasta por su carácter lento presentando amplias melodías atonales. Su carácter poco plácido esconde un gran ardor lírico difícil de apreciar.

El tercer movimiento, trépidant, corresponde a la parte final de carácter vivo. Su carácter expresivo continúa el mostrado en el primer movimiento.

El carácter atonal bastante duro hace que sea poco interpretada, al ser difícilmente aceptada por el público en una primera audición. Es una de sus obras más complejas.

El "Concierto para violoncelo y orquesta Nº 1" compuesto en 1962 dedicado a André Navarra escrito en un idioma moderna no renuncia a la cantable expresividad del instrumento solista, ni a los efectos de la numerosa percusión, siendo bien acogido por el público el día de su estreno.

La “Sinfonía N° 3” fue compuesta en 1964 para el Festival de México, estrenándola allí el 7 de agosto de 1964 interpretada por la Orquesta del Festival dirigida por el propio compositor. La primera audición francesa tuvo lugar en el Teatro de los Campos Elíseos el 1 de diciembre siguiente bajo la dirección de Antal Dorati.

El primer movimiento, obstiné, nos presenta una música atonal con un carácter bastante agresivo introduciéndonos en un ambiente denso. Su parte central parece calmarse pero pronto continúa con poliritmos obstinados junto a disonancias.

El segundo movimiento, fulgural, corresponde al movimiento lento, que comunica una intensa emoción mediante sus líneas austeras. Una moderna expresión de la fuerza interior que nos quiere presentar el compositor.

El tercer movimiento, lyrique, véhément, es iniciado por la percusión cuya base sonora rítmica acompaña a la música atonal de la orquesta. En momentos determinados se escucha un silbato, quizás en recuerdo de los recibidos en Estrasburgo por su concierto para piano. Un tema obsesivo se inicia en su parte central que nos conduce a la coda.

Una música de carácter puro que muestra la madurez del compositor en su experimentación de nuevas sonoridades, muchas veces difíciles de asimilar por el público.

El "Concierto para violoncelo y orquesta Nº 2" compuesto en 1966 dedicado a Mstislav Rostropovitch es una obra compleja llena de dificultades para el solista pero que encierra un intenso lirismo.

Los últimos años de la vida del compositor se dedicaron a la enseñanza. Aunque había empezado a impartir clases desde 1961, en 1966 ocupó el puesto de profesor en el Conservatorio de París dirigiendo la clase de composición, puesto que conservó hasta su jubilación en 1971.

Una obra con un carácter muy original es "Heptade para trompeta y percusión" compuesta en 1971, donde explora todas las posibilidades de la trompeta que dialogo con la percusión empleando un variado conjunto de estilos que van desde la atonalidad al jazz y al clásico.

El último concierto escrito por Jolivet es el "Concierto para violín y orquesta" compuesto en 1972 en el que condensa sus formas artísticas. Dos piezas para cuerdas completan su obra. "La Flèche du Temps" y "Yin-Yang" dedicada a los 40 años de su matrimonio con Hilda Guighui, compuestas en 1973.

Empezó la composición de una ópera "Le soldat inconnu" pero la muerte le sorprendió el 20 de diciembre de 1974 en París a causa de la gripe.