Alexander von Zemlinsky (1871-1942) nació en Viena el 14 de octubre de 1871 de una familia de origen muy diverso. Su abuelo emigrado de Hungría y casado con una austríaca, ambos católicos. Su padre Adolf educado como católico se casó con su madre nacida en Sarajevo, hija de un judío sefardita y de una musulmana de Bosnia. Toda la familia de Alexander se convirtió a la religión de su abuelo materno, el judaísmo y el compositor nació y se educó como judío. Su padre añadió a su nombre la palabra aristocrática von, aunque ni él ni sus antepasados fueron nobles. También comenzó a deletrear su apellido como Zemlinszky siendo además masón.
Alexander estudió piano desde una edad temprana. Su padre era el secretario de la comunidad turco-israelita, lo que condujo al niño a tocar el órgano en la sinagoga en los días festivos. Fue admitido en el Conservatorio de Viena en 1884, estudiando piano con Anton Door, ganando el premio de piano de la escuela en 1890. Continuó sus estudios hasta 1892, estudiando armonía y contrapunto con Robert Fuchs y composición con Johann Nepomuk Fuchs y Anton Bruckner.
La "Sinfonía en mi menor" compuesta en 1891 de la cual solamente sobreviven dos movimientos, el tercero y el cuarto, que se conservan en la Biblioteca del Congreso en Washington, es una de sus primeras obras escrita durante la época de sus estudios.
La “Sinfonía Nº 1 en re menor” fue compuesta entre 1892 y 1893 después de concluir sus estudios con Robert Fuchs. Se estrenó en el Conservatorio de Viena en 1893. Como el compositor nunca numeró las sinfonías sus números pueden llevarnos a confusión. Si se numeran desde la inicial ésta sería la segunda y la próxima la tercera. Pero normalmente se toma la actual como la número uno, por ser la primera que se conserva completa.
También se encontraron en la Biblioteca del Congreso en Washington dos movimientos datados en el mes de marzo de 1903, que durante cierto tiempo se tomaron como movimientos intermedios de una supuesta cuarta sinfonía, pero finalmente se vio que eran los movimientos segundo y tercero del poema sinfónico "La Néréide".
El primer movimiento, allegro ma non troppo, es a veces grandioso y a veces amenazador. Sigue la tradición sinfónica del pasado siglo, la rica tradición clásica vienesa. Escrito en forma sonata el primer tema tiene cierto carácter épico, que contrasta con el segundo más tranquilo y lírico. En el desarrollo el tema principal nos conduce a su clímax para seguir con una breve recapitulación terminando mediante una serena coda
El segundo movimiento, scherzo, allegro scherzando, es de carácter rítmico y vivo, seguido por su contrastante trío de carácter lírico y bien orquestado. Luego se repite el scherzo.
El tercer movimiento, sehr innig und breit, muy íntimo y amplio, empieza con una melodía de intimidad lírica que nos conduce a momentos más dramáticos, para luego regresar a la calma. Contiene momentos de considerable belleza, cuando se mueve hacia su pensativa conclusión.
En Johannes Brahms, Zemlinsky tenía un valioso partidario. En 1893, por invitación del maestro de Zemlinsky Johann Nepomuk Fuchs, Brahms asistió a una interpretación de la "Sinfonía en re menor" de Zemlinsky. Poco después, Brahms asistió a una interpretación de uno de los cuartetos de Zemlinky. Brahms, impresionado con la música de Zemlinsky, recomendó el "Trío para clarinete, violoncelo y piano en re menor" Op.3 del joven compositor compuesto en 1896 a la compañía N. Simrock para su publicación. Tenemos que realizar la observación de que muchas obras de Zemlinsky no poseen número de opus, como es el caso de "Eine Lustspielouvertüre" compuesta entre 1894 y 1895.
Zemlinsky también conoció a Arnold Schönberg cuando éste se unió a la orquesta amateur Polyhymnia como violoncelista. Zemlinsky había fundado este grupo en 1895. Los dos se hicieron amigos íntimos, siendo más tarde admiradores mutuos y cuñados, cuando el 7 de octubre de 1901 Schönberg se casó con la hermana de Zemlinsky, Mathilde. Zemlinsky le dio a Schönberg lecciones de contrapunto, convirtiéndose así en el único profesor de música formal que tendría Schönberg.
"Frühlingsbegräbnis", entierro de primavera, es una cantata para soprano, barítono, coros y orquesta compuesta en 1896. Brahms muere el 3 de abril de 1897 y el compositor dedica la obra a su memoria.
La “Sinfonía Nº 2 en si bemol mayor” fue terminada, según la fecha de su manuscrito el 9 de septiembre de 1897, siendo cronológicamente su tercera. Había sido corregida durante el verano que pasó con su amigo Arnold Schönberg. La sinfonía obtuvo el prestigioso Premio Beethoven otorgado por la Gesellschaft der Musikfreunde y se estrenó en Viena el 5 de marzo de 1899 dirigida por el propio compositor obteniendo un gran éxito.
El primer movimiento, sostenuto, allegro schnell, mit Feuer und Kraft, sigue la forma sonata clásica empezando mediante una introducción lenta que contiene una amplia melodía interpretada por las violas y trompas. La exposición del allegro contiene tres temas bien diferenciados, el primero de carácter enérgico algo heroico, el segundo un tema lírico con cierto ritmo de danza y el tercero de gran fuerza. El desarrollo también utiliza el material de la introducción, que reaparece en la recapitulación abreviada. Termina mediante una triunfal coda.
El segundo movimiento, nicht zu schnell, scherzando, Ruhig langsamer, corresponde al scherzo caracterizado por superposiciones rítmicas de motivos de danza. El trío es más lento con un ritmo oscilante y mediante una notable sección de transición nos conduce nuevamente al scherzo inicial.
El tercer movimiento, adagio, es de forma ternaria empezando mediante una apacible sección de carácter pastoral. La parte central del movimiento es algo más dramática, empezando con una misteriosa progresión de cinco acordes, que reaparecen al iniciarse nuevamente la primera sección y para terminar el movimiento.
El cuarto movimiento, moderato, es una passacaille que en gran parte se inspira en la cuarta sinfonía de Brahms, rindiendo un homenaje al autor recientemente fallecido. Después de unos vigorosos compases de introducción aparece el tema de la passacaille formado por 16 notas, interpretado lentamente por violas y violoncelos en pizzicato. Continúa mediante treinta variaciones sobre el tema sometido a diversos tratamientos, entre ellos progresiones, regresiones y cambios armónicos. Termina mediante una solemne interpretación del tema.
En 1899 Zemlinsky obtuvo el puesto de Kapellmeister en el Carltheater de Viena. En 1899, Zemlinsky se convirtió al protestantismo. Alude a la cruz cristiana y a Jesús en el texto del Turnwächterlied e incluyó versos de Salmos en varias de sus composiciones. Su reputación como compositor aumentó todavía más cuando Gustav Mahler dirigió el estreno de su ópera "Es war einmal" (Había una vez) en la Hofoper en 1900.
Pocos después del estreno de dicha ópera, en el mes de septiembre de 1900 Zemlinsky compone el "Salmo 83" para coro y orquesta, el primero de los tres que compondrá en su vida.
En 1900 Zemlinsky se enamoró de Alma Schindler, una de sus estudiantes de composición. Ella correspondió inicialmente sus sentimientos; sin embargo Alma sufrió una gran presión de amigos y familiares cercanos para poner fin a la relación. Estaban principalmente preocupados por la falta de reputación internacional de Zemlinsky y por una apariencia física poco atractiva.
El ballet en tres actos "Der Triumph der Zeit", el triunfo del tiempo, fue compuesto en 1901. El primer acto llevaba el título de "Das gläserne Herz", el corazón de cristal. El segundo "Das Zwischenspiel", el intermedio, y el tercero "Stunde der Erinnerung", momento del recuerdo. Cuando el proyecto de representación fracasó el compositor empleó su música para otros usos. Realizó una suite con el nombre de "Drei Ballettstücke der Triumph der Zeit" en 1902.
Este ballet supuso un notable cambio en la relación entre el compositor, Alma y Mahler. Por ello intentaremos realizar seguidamente una breve explicación de estas relaciones, en estas páginas que además de en la música están interesadas en las relaciones humanas.
Alma Schindler nace en Viena el 31 de agosto de 1879. Su padre era el pintor Emil Jacob Schindler y su madre Ann von Bergen. Tuvo una infancia feliz. Su casa familiar siempre era un lugar donde el ambiente artístico fue una constante. Se reunían lo más notable de la clase alta vienesa y se citaban los más renombrados artistas, bohemios y notables del ambiente cultural de la capital austriaca en los finales del siglo XIX y los inicios del XX.
Su padre Emil muere cuando Alma tenía doce años. Su madre se vuelve a casar con Carl Moll, que también era pintor y había sido discípulo de su padre. En su adolescencia estudió piano y fue una dotada pianista. Al mismo tiempo estudió composición con Alexander von Zemlinsky a partir de 1897.
Alma escribió como compositora muy poco, debido especialmente a la imposición de su posterior marido Gustav Mahler, siendo por ello considerada como una compositora menor. Sólo escribió dieciséis lieder. Anteriormente había conocido al pintor Gustav Klimt, amigo de su padrastro. Alma solo tenía 16 años cuando aprendió a besar por primera vez como mujer, durante su relación con Gustav Klimt. El recuerdo de ello, y por lo que para Klimt significó dicha experiencia, se plasmó en el famoso cuadro que tituló, el beso.
El ballet tiene una partitura autografiada con el nombre de "Ein Tanzpoem in einem Aufzug von Hugo von Hofmannsthal", Un poema coreográfico en un acto de Hugo von Hofmannsthal, quién se haría famoso como libretista de muchas óperas de Richard Strauss. El libreto ampliado se convertiría en el ballet en tres actos "Der Triumph der Zeit" del que hemos hablado anteriormente.
El 18 de septiembre de 1901 Hofmannsthal escribe una carta a Zemlinsky explicando los motivos para que el ballet no pueda representarse. Mahler había recibido el libreto del ballet hacía algunas semanas y emitido una decisión contraria a su representación.
El tratamiento otorgado por Mahler al ballet fue el tema de un debate entre él y Alma Schindler. Había conocido al músico durante una reunión patrocinada por Berta Zuckerkandl, una escritora famosa especialmente por mantener un salón literario donde se reunía la élite artística y literaria de Viena. En dicha reunión también estaban presentes Klimt y el escritor, crítico y antiguo director teatral Max von Burckhard que también había tenido una relación sentimental con Alma.
La muchacha que poseía opiniones bien establecidas, empezó una conversación con Mahler sobre la belleza masculina. Mahler ofreció como ejemplo de persona poco agraciada al filósofo Sócrates. Alma replicó sugiriendo a Zemlinsky como persona cuya inteligencia le otorgaba una gran belleza a pesar de su fealdad física.
La conversación se animó cuando Mahler empezó a hablar del nuevo ballet de Zemlinsky. Al parecer había guardado desde hacía un año la partitura de la obra sin dar ninguna respuesta al compositor. Alma le dijo que no tenía derecho a hacer tal cosa. Mahler replicó diciéndole enfadado que el ballet no tenía ningún valor.
La muchacha insistió diciendo que Zemlinsky necesitaba una respuesta y se ofreció para explicarle el complejo simbolismo del texto de Hofmannsthal. Cuando Mahler irónicamente aceptó la propuesta, Alma le pidió una explicación sobre un particular absurdo ballet que formaba parte del repertorio de la Ópera de la Corte.
La disputa se había calentado tanto que consiguió la promesa de Mahler de hablar con Zemlinsky sobre este tema. Esta discusión condujo también a que Mahler se quedara enamorado de la hermosa e inteligente muchacha, con la cual se casaría solamente seis meses después. Alma rompió su relación con Zemlinsky y el 23 de diciembre de 1901 se prometieron, casándose el 9 de marzo de 1902.
Zemlinsky convirtió la sección central en un nuevo ballet con el título de "Ein Tanzpoem", un poema coreográfico. Sin embargo nunca pudo representarse durante la vida del compositor, hasta que en el año 1990 se interpretó. Una suite orquestal derivada de la música del ballet se pudo escuchar el 8 de febrero de 1903 dirigida por Ferdinand Löwe.
"Die Seejungfrau" (La sirenita) es un amplio poema sinfónico en tres partes compuesto entre 1902 y 1903, basado en la obra del mismo nombre de Hans Christian Andersen. Se estrenó en Viena el 25 de enero de 1905 en el mismo concierto que el "Pelleas und Melisande" de Schönberg. Zemlinsky retiró la obra, que se creía perdida hasta que se descubrió una copia en la década de 1980. Fue interpretado de nuevo en 1984 en Viena y se ha convertido en una de las partituras más frecuentemente interpretadas de Zemlinsky.
Zemlinsky se casó con Ida Guttmann en 1907, pero el matrimonio fue infeliz. Después de la muerte de Ida en 1929, Zemlinsky se casó con Luise Sachsel en 1930, una mujer veintinueve años menor que él, y a quien había dado clases de canto desde el año 1914. Esta fue una relación mucho más feliz, que duró hasta la muerte de Zemlinsky.
El "Salmo 23" Op.14 (El Señor es mi pastor) para coro y orquesta compuesto en 1910 es el segundo al que Zemlinsky puso música. También escribe una música de escena para la producción de "Cymbeline" de Shakespeare para el Nationaltheater de Mannheim programado para la temporada 1915-16 que por motivo de la guerra se anuló. Esta música no se pudo escuchar hasta el año 1996.
Zemlinsky se dedicó especialmente a la ópera componiendo ocho de ellas, siendo la más conocida "Eine florentinische Tragädie" escrita entre 1915 y 1916. Una ópera en un acto basada en la obra de Oscar Wilde, en la línea de las óperas de Richard Strauss. Una historia de amor, celos, venganza y reconciliación.
La semi autobiográfica "Der Zwerg", el enano, fue compuesta entre 1919 y 1921, basada también en la obra de Oscar Wilde. También compuso música de cámara, incluyendo cuatro cuartetos de cuerda, además de numerosos ciclos de canciones, tanto con piano como con orquesta, de los cuales "Sechs Gesánge" Op. 13, con textos de Maurice Maeterlinck es el más conocido.
La “Sinfonía Lírica” Op.18 fue empezada en 1922 y terminada en el mes de agosto de 1923, en forma de un ciclo de siete canciones sobre poemas del poeta bengalí Rabindranath Tagore (1861-1941) traducidos al alemán, para orquesta, soprano y barítono. Los poemas combinan las tradiciones hindúes con elementos de la poesía europea de principios de siglo.
Es la obra más conocida de Zemlinsky, que en una carta a su editor comparó con "Das Lied von der Erde" de Mahler, aunque la primera parte del "Gurre-Lieder" de Schönberg también muestra una clara influencia. La obra a su vez influyó en la "Suite Lírica" de Alban Berg, estando dedicada a Zemlinsky y conteniendo una cita de la misma.
Se estrenó el 5 de junio de 1924 en Praga, donde desde 1911 Zemlinsky ocupaba la plaza de director del Deutsches Theater. La obra posee una estructura dividida en tres partes, en la que los dos primeros poemas son expresiones del deseo, el tercero y cuarto describen la consecución del deseo, mientras que los últimos tres expresan el deseo de libertad, seguido por la separación y resignación.
El propio compositor explicó la forma de su sinfonía en un número del año 1924 de la revista dedicada al arte de la dirección orquestal Pult und Taktstock, atril y batuta, que reproducimos a continuación.
La afinidad intrínseca de las siete canciones, con sus preludios e interludios, que tienen todos una y la misma base apasionada y profundamente seria, ha de darse por reconocida y aceptada si la obra se comprende e interpreta correctamente. El preludio y la primera canción presentan la atmósfera fundamental de la Sinfonía entera. A todas las otras secciones hay que darles un colorido acorde con la atmósfera de la primera. Por ejemplo, la segunda canción, que puede decirse que ocupa la posición del scherzo, no debe en absoluto tratarse como algo ligero o carente de seriedad, ni tampoco la tercera canción, el adagio de la Sinfonía, como lánguido canto de amor.
Lo que confiere a estos poemas su afinidad interna es precisamente la selección que de ellos hice y el orden determinado en que los compuse, y lo que subraya claramente la unidad de la obra es la forma de interpretarlos, junto con un tratamiento a la manera de leitmotiv de algunos de los temas, y el director debe tener siempre ante sí la idea del carácter unitario de la obra.
El primer movimiento, langsam, mit ernst-leidenschaftlichen Ausdruck, tiene la forma sonata empezando mediante un preludio orquestal bastante expresivo donde aparecen los temas principales de la obra que luego acompañarán las palabras. Un movimiento bastante complejo en el cual el barítono de forma trágica y apasionada expresa sus deseos. Una de las frases del texto puede aplicarse al propio compositor, cuando el barítono canta soy un extraño en un país desconocido.
El segundo movimiento, lebhaft, corresponde al scherzo de la sinfonía. Con un carácter diferente es otra expresión del deseo, en la figura de la muchacha que lanza su collar de rubíes al paso del príncipe, que no le presta la menor atención, mientras las ruedas de la carroza aplastan la joya dejando una mancha roja en el suelo. Una fantástica imagen de deseo y amor no correspondido. Termina mediante un apasionado postludio orquestal que lo une con el siguiente movimiento sin pausa.
El tercer movimiento, sehr ruhig und mit innigem, ernstem Ausdruck, que corresponde al adagio, presenta armonías sombrías y apasionadas mediante el lánguido canto de amor del barítono. Pero no se trata de una experiencia real, más bien es una expresión del sueño del amor.
El cuarto movimiento, langsam, schwebend, sehr ruhig, cantado por la soprano continúa con el tema del amor en un ambiente de belleza y calma nocturna. Una sutil melodía del violín da paso al canto de la soprano en forma de un nocturno, expresando un amor pasajero fuera de los límites del espacio y el tiempo. La orquesta acompaña dulcemente a una línea vocal fragmentada durante todo el movimiento, con ornamentaciones armónicas estáticas.
El quinto movimiento, feurig und kraftvoll, es un canto en busca de la libertad protagonizado por el barítono, expresado mediante el símil de un corazón apresado por los sortilegios del amor. Empieza la orquesta con fuerza introduciendo el canto enérgico del barítono intentando liberarse de las cadenas del amor que lo tienen prisionero.
El sexto movimiento, sehr mässige Viertel, andante, expresa la desesperación cantado por una línea que casi llega a la atonalidad por la soprano. Llegamos al corazón trágico de la sinfonía cuando pronuncia las palabras
Traüme lassen sich nicht einfangen
Los sueños no pueden nunca apresarse
El sueño ha terminado, el amor no dura siempre.
Meine gieringen Hände drücken Leere an mein Herz, und es zermürbt meine Brust
Mis manos ardientes aprietan el vacío contra mi corazón y mi pecho está dolorido
Un nuevo postludio orquestal de manera apasionada lo une sin pausa con el último movimiento.
El séptimo movimiento, molto adagio, tiene la función de un epílogo cantado por el barítono, presentando el momento de la separación como una forma de resignación.
Lass Liebe in Erinnerung schmelzen und Schmerz in Lieder
Que el amor se funda en recuerdo y el dolor en canciones
La orquesta cierra la sinfonía con la repetición de los motivos principales hasta que la música se calma en una lenta coda como un murmullo, terminando mediante una disonancia no resuelta.
La sinfonía clásica ha evolucionado hacia un nuevo tratamiento. Wagner abandonó el género pues para expresar lo que deseaba no le bastaba la música, necesitaba añadir la palabra, componiendo óperas. Pero otros compositores como Mahler solucionaron el problema añadiendo la palabra a sus sinfonías. Zemlinsky hace algo parecido a Mahler pero la diferencia esencial es que sus poemas están encadenados tanto motívicamente como musicalmente, añadiendo intermedios sinfónicos entre ellos, creando una fusión de sinfonía en un solo movimiento.
En 1906 Zemlinsky había sido nombrado primer Kapellmeister del nuevo Volksoper de Viena, De 1911 a 1927, fue director del Deutsches Landestheater de Praga, donde estrenó el "Erwartung" de Schönberg en 1924. Zemlinsky luego se trasladó a Berlín, donde enseñó y trabajó con Otto Klemperer como director de la Berliner Krolloper.
En 1929 compone el ciclo de lied sinfónico "Symphonische Gesänge" Op.20 sobre poemas de la América negra de una antilogía titulada Africa singt. El tema de opresión de la raza negra aparece comparándola con la de los judíos. Algo que no fue bien visto por el régimen nazi.
La “Sinfonietta” Op.23 fue compuesta en 1934 y estrenada en Praga el 20 de febrero de 1935, interpretada por la Orquesta Filarmónica Checa dirigida por Heinrich Jalowetz. Pronto se programó en varias ciudades entre ellas Barcelona. Está orquestada para madera por duplicado, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, arpa y cuerda.
El primer movimiento, sehr lebhaft, presto, escrito en forma sonata después de unas frases iniciales la cuerda presenta el primer tema de carácter inquieto, que pronto gana en intensidad. Un segundo tema de carácter más expresivo es presentado por el primer violín. El desarrollo presenta un ritmo vivo en la madera y cuerdas agudas hasta llegar a un clímax de corta duración basado en el primer tema. La recapitulación empieza mediante una transformación idílica que llega a un punto cercano al éxtasis. De aquí resurgen varios fragmentos del primer tema, prevaleciendo una calma interior, hasta que de repente estalla un recuerdo culminante de la música de apertura.
El segundo movimiento, Ballade, sehr gemessen poco adagio, doch nicht schleppend, se centra en un tema vacilante interpretado por la madera y las cuerdas graves, expresando un anhelo fatalista, que se intensifica en su parte central. El tema principal entonces genera el clímax trágico del movimiento, en realidad de toda la obra, diluyéndose mediante un claro solo de clarinete desde donde la música inicial nos conduce a una cálida coda.
El tercer movimiento, Rondo, sehr lebhaft, empieza con un tema animado para cuerda y metal, al que una melodía más sensual proporciona el necesario contraste. Ambos temas se presentan en el impetuoso desarrollo central, antes de la repetición variada con carácter libre en la que el primer tema aparece con renovado vigor. El segundo tema hace una reaparición fugaz pero muy conmovedora, como si recordara la satisfacción perdida, antes de que el tema anterior inevitablemente se reafirme y la obra progrese hasta su fin con una determinación que bordea lo agresivo.
La cumbre del estilo personal del Romanticismo de Zemlinsky se había alcanzado en su "Sinfonía Lírica" de 1923, después de lo cual pasó por un período de búsqueda artística, en el que inició numerosas piezas y luego abandonó. Sólo al final de la década reanudó la composición en serio, pero su música tomó una forma más dura que reflejaba bien el espíritu de los tiempos.
Un punto culminante es la "Sinfonietta", donde los elementos de Mahler se fusionan con los de Stravinsky y Hindemith en una obra cuyo impacto es mayor por su brevedad. Una obra admirada por Schönberg y Berg, que está mucho más cerca del austero mundo neoclásico de Hindemith y Kurt Weill que de la segunda escuela vienesa.
El estilo y la elegancia de la antigua Viena de Zemlinsky estaba desapareciendo rápidamente. Aquí encontramos una perspectiva mucho más erizada, una mirada sardónica a la música, un aire de desilusión. El ingenio amargo e irónico se yuxtapone con el lirismo dulce y con la retrospectiva nostálgica ocasional, todo teñido de gran conmoción.
Con el ascenso del Partido Nazi, Zemlinsky huyó a Viena en 1933, donde no ocupó ningún puesto oficial, en su lugar se concentró en componer y hacer apariciones ocasionales como director invitado.
En 1938 cuando llegó el Anschluss uniendo Austria al régimen nazi se trasladó a los Estados Unidos y se estableció en la ciudad de Nueva York. Aunque su compañero de emigración Schönberg logro el éxito en Los Angeles en las décadas de 1930 y 1940, enseñando en la Universidad de California en Los Angeles (UCLA) y en la Universidad del Sur de California (USC), ganando una nueva generación de seguidores, Zemlinsky fue abandonado y prácticamente desconocido en su país de adopción. Enfermó, sufriendo una serie de derrames cerebrales, y dejó de componer. Zemlinsky murió en Larchmont, New York, a causa de un infarto de miocardio el 16 de marzo de 1942.
Mientras que la influencia de Brahms se encuentra en las primeras obras de Zemlinsky, una voz original está presente desde las primeras obras, manejando las disonancias de una manera mucho más libre que Brahms. Las obras posteriores adoptan el tipo de armonías extendidas que Wagner había introducido y también reflejan la influencia de Mahler.
A diferencia de su amigo Schönberg, nunca escribió música atonal, y nunca utilizó la técnica dodecafónica. Sin embargo, algunas de sus últimas obras, como Symphonische Gesänge, la Sinfonietta y el tercero y cuarto cuartetos de cuerda, se alejan del post-Romanticismo hacia un estilo de características más duras, que incorpora elementos de la Neue Sachlichkeit, neoclasicismo e incluso del jazz.
Como director de orquesta, Zemlinsky fue admirado entre otros, por Kurt Weill y Stravinsky, no sólo por sus notables interpretaciones de Mozart, sino también por su defensa de la música de Mahler, de Schönberg y de diversa música contemporánea. Como profesor, entre sus alumnos encontramos a Erich Wolfgang Korngold, Hans Krása y Karl Weigl.