BRITTEN

Benjamin Britten (1913-1976) nació en Lowestoft, en el condado de Suffolk en Inglaterra el 22 de noviembre de 1913, festividad de santa Cecilia patrona de la música, hijo de un dentista y de una talentosa cantante amateur.

El joven Britten mostró aptitudes musicales desde muy pequeño. En 1927 comenzó a tomar lecciones particulares con Frank Bridge. Estudió a partir de septiembre de 1928 en la Gresham's School, en Holt, Norfolk. En 1930 ganó una beca de composición para estudiar en el Royal College of Music con el compositor John Ireland, con algunas clases complementarias de Ralph Vaughan Williams y piano con Arthur Benjamin. Terminó estos estudios en 1933.

Aunque fue convencido por sus padres por sugerencia del equipo docente, Britten intentó estudiar con Alban Berg en Viena. En aquellos años, Berg no era considerado un buen ejemplo para los compositores.

Britten empezó a componer desde muy joven, especialmente gran cantidad de obras para piano, canciones, música de cámara y obras orquestales. Especialmente importante es su música para voces, el principio de una eminente figura de la música coral. Entre estas se encuentra la suite coral "Christ's Nativity" compuesta en 1931. Notables son las "Four French Songs" para soprano y orquesta compuestas en 1928, por un estudiante de música de 15 años.

En 1932 Britten escribe el "Doble Concierto para violín y viola" que permanecerá sin estrenar hasta 1997, cuando Colin Matthews editó el manuscrito y estrenó la obra durante el Festival de Aldeburgh de dicho año.

Las primeras composiciones de Britten que llamaron la atención mientras estudiaba en el Royal College of Music, fueron la Sinfonietta Op.1 y una selección de variaciones corales, "A Boy was born"​ Op.3 escrita para los cantores de la BBC en 1932.

La “Sinfonietta” Op.1 fue compuesta durante el verano de 1932 mientras estudiaba en el Royal College of Music. Se estrenó el 31 de enero de 1933 en un Macnaghten-Lemare Concert en el Ballet Club Theatre de Londres dirigida por Iris Lemare. Es su primera obra publicada y fue dedicada a su maestro Frank Bridge.

Originalmente estaba orquestada para un conjunto de cámara formado por cinco instrumentos de viento y cinco de cuerda. Flauta, oboe, clarinete, fagot, trompa, dos violines, viola, violoncelo y contrabajo. En el mes de febrero de 1936 revisó la partitura orquestándola para una orquesta de cámara con dos trompas y una pequeña sección de cuerda.

El primer movimiento, poco presto ed agitato, está escrito en forma sonata. En el principio del movimiento se expone el material temático de toda la obra. La madera contribuye en la presentación del primer tema, mientras que la cuerda le proporciona la base armónica. Encontramos una fanfarria de la trompa de forma pentatónica seguida por una escala descendente modal. En el lugar de la recapitulación se encuentra un nuevo desarrollo.

El segundo movimiento, variaciones, andante lento, correspondiente al movimiento lento hace uso de una serie de variaciones sobre el segundo tema del anterior movimiento, en un estilo tradicional inglés de carácter pastoral, siguiendo las líneas de sus maestros Frank Bridge y John Ireland. Las violas en un estilo parecido al de Sibelius nos conducen sin pausa al último movimiento.

El tercer movimiento, tarantella, toma la forma de un moto perpetuo con material procedente del primer movimiento con el ritmo de la citada danza italiana. En la recapitulación el primer tema del primer movimiento retorna, para servir de base a una sección fugada en forma de pizzicato.

El escritor y editor Erwin Stein, amigo de Britten, sugiere la obra en su conjunto de tomar como modelo la "Sinfonía de cámara Nº 1" de Arnold Schönberg compuesta en 1906. Sin seguir las técnicas dodecafónicas hace uso de una moderna tonalidad.

La “Simple Symphony” Op.4 fue compuesta en Lowestoft entre diciembre de 1933 y febrero de 1934, utilizando material escrito anteriormente para piano. Escrita para orquesta de cuerda se estrenó en 1934 en la Stuart Hall de Norwich interpretada por una orquesta amateur dirigida por el propio compositor.

La sinfonía utiliza temas escritos para piano en sus primeros años como compositor, entre 1923 y 1926. Está dedicada a Audrey Alston profesora de viola en los primeros años de Britten. Utiliza ocho temas escritos durante su juventud de los cuales tenía un especial aprecio, dos en cada movimiento.

El primer movimiento, Boisterous Bourrée, utiliza el segundo movimiento, Bourrée, allegro vivace, de la "Suite Nº 1 en mi para piano" compuesta el 18 de octubre de 1925 y la canción para voz y piano "A Country Dance" compuesta en 1923. Música totalmente armónica en un estilo tonal.

El segundo movimiento, Playful Pizzicato, utiliza el scherzo de la "Sonata para piano en si bemol mayor" compuesta en 1924 y la canción para voz y piano "The Road Song" compuesta en 1924. Es el más popular de sus movimiento por el uso que hace del pizzicato, que se hizo popular entre los intérpretes de mandolina.

El tercer movimiento, Sentimental Sarabande, utiliza el Prelude, allegro di molto, de la "Suite Nº 3 para piano" compuesta en 1925 y el "Vals en si mayor para piano" de 1923. Corresponde al movimiento lento de la sinfonía escrito en forma tripartita.

El cuarto movimiento, Frolicsome Finale, hace uso del finale de la "Sonata para piano Nº 9" compuesta en 1926 y de una canción de 1925, sobre una melodía tradicional sueca. Su título  final juguetón expresa su espíritu alegre.

En el mes de febrero de 1935 recomendado por Bridge, Britten accedió a una entrevista de trabajo realizada por el director musical de la BBC Adriant Boult, para ser invitado a escribir la banda sonora del documental "The King's Stamp" para la GPO Film Unit. Junto con W.H-Auden(1907-1973) se convirtió en miembro de un pequeño grupo de colaboradores regulares del mundo cinematográfico.

Con Auden colaboró en el ciclo de canciones "Our Hunting Fathers" Op.8 compuesto en 1936. composición radical en su tratamiento musical y en el sentido político. Posteriormente colaboraría en otras obras como las diversas canciones para cabaret agrupadas como "Cabaret Songs".

Auden tuvo una gran influencia sobre Britten. animándolo a ensanchar sus horizontes estéticos, intelectuales y políticos. También en el aspecto de su homosexualidad. Auden era, como dice David Matthews, alegre e inocentemente promiscuo, Britten puritano y convencional por naturaleza fue un reprimido sexual.

Relevancia más profunda tuvo su encuentro en 1936 con el tenor Peter Pears, con el que mantuvo una relación de pareja hasta su muerte y que pasó a ser su colaborador musical e inspirador.

Entre 1935 y 1937 Britten escribe unas 40 partituras para el teatro, el cine y la radio. Durante esta época en 1936 compone las "Soirées musicales"  Op.9, una suite basada en arreglos de obras de Gioachino Rossini. Años más tarde cuando se encontraba en los Estados Unidos en 1941 compone una segunda suite "Matinées musicales" Op.24 también basada en la música de Rossini.

Una obra significativa por su relación que tiene con la ciudad catalana de Barcelona es "Mont Juic" Op.12 (Suite de danzas catalanas para orquesta) Op.12 compuesta en 1937, de modo conjunto con Lennox Berkeley del cual es su Op.9. Por su interés local comentaremos más ampliamente esta obra.

En 1936 se celebró en Barcelona el XIV Festival de la Sociedad Internacional para la Música Contemporánea al que asistieron Berkeley y Britten, convirtiéndose en buenos amigos. También conoció al amigo de Berkeley Peter Burra.

Durante el Festival Britten estreno en el Casal del Metge su "Suite para violín y piano" Op.6 acompañando al violinista Antoni Brosa. Britten y sus amigos asistieron al estreno de la obra póstuma de Alban Berg, el "Concierto para violín y orquesta" (A la memoria de un ángel) el 19 de abril de 1936 dirigido por Hermann Scherchen con el solista Louis Krasner.

A la mañana siguiente el trío formado por Britten, Berkeley y Burra visitó la montaña de Montjuic, que posee amplias vistas sobre la ciudad de Barcelona. El 25 de abril asistieron a un Festival de Danza Folclórica en la zona de la Exposición Universal celebrada en 1929. El Festival tuvo lugar en el Poble Espanyol, recinto que se ha conservado hasta nuestros días.

Reunidos en un café poco después los compositores realizaron algunos apuntes sobre las melodías que habían escuchado. Al año siguiente en Inglaterra decidieron escribir conjuntamente una suite orquestal basada en aquellos temas catalanes que habían recogido. En el mes de abril de 1937 Peter Burra murió en un accidente de aviación.

Ambos compositores decidieron dar el nombre de Montjuic a su suite, dedicándola a la memoria de Peter Burra. La suite "Montjuic" fue compuesta entre el 6 de abril y el 12 de diciembre de 1937. En aquel tiempo se había declarado la Guerra Civil Española y el tercer movimiento, lament, fue escrito como un homenatge a Catalunya.

Los interesados en este tema pueden encontrar una detallada e interesante descripción ofrecida por la WEB Barcelona clàssica en la siguiente dirección de Internet, de la cual se han tomado los datos para nuestros comentarios :

'Mont Juic', el homenaje de Britten a Catalunya – Barcelona Classica (barcelonaclasica.info)

 Seis danzas escogidas aportan la totalidad del material temático. El primer movimiento, andante maestoso, empieza con el Ballet de Déu de Rocafort (Bàges) orquestado de forma solemne, con el tema muy marcado en las cuerdas y maderas y un bajo en los metales subrayado por redoblas de timbal. Un pequeño clímax nos conduce de forma repentina al Ball del vano i el ram de Sant Cugat del Vallès, presentado con un carácter más popular. El movimiento acaba con un espectacular tutti, superponiendo los dos temas con el Ballet de Déu en las cuerdas y metales y el Ball del ram en las maderas y xilófono.

La suite sigue con un breve y simpático allegro grazioso. Después de presentar la melodía de La ratolinesa, de San Julià de Vilatorrada, la orquesta desarrolla dos motivos melódicos de la frase inicial en un fragmento que incluye solos humorísticos de instrumentos como por ejemplo el contrafagot y el xilófono.

La ligereza y buen humor de este movimiento contrasta con el dramatismo del tercero, un andante moderato llamado Lament (Barcelona, Julio, 1936) en alusión, según Berkeley, a la amenaza de la guerra civil en la que el país se vería pronto abocado. De los cuatro es el movimiento más denso y elaborado, con una gran carga emotiva y de carácter casi programático, debido al tratamiento que reciben los dos temas que lo conforman, el Ballet de Muntanya de Folgueroles y el Contrapàs de Sant Genís de Palafolls.

                                            Montjuic    Poble Espanyol

Los acordes en do menor iniciales en cuerdas, arpa y timbales, establecen la atmósfera trágica y su ritmo compuesto por un tiempo largo seguido de otro breve, que evoca el ritmo de sardana, forman un ostinato que vertebra todo el movimiento y le proporciona un tono doloroso, casi fúnebre. Se repite tres veces un  motivo ascendente de seis notas, que recuerda el Cant dels ocells, pero que en realidad es el principio del Ballet de Muntanya de modo más lento y convertido en un penetrante lamento.

El saxo alto, probablemente influencia de Berg, a pesar de que también podría ser una imitación del timbre de la tenora, completa la primera frase del tema y los violines se encargan de la segunda, más nostálgica.

Luego el motivo de seis notas inicial reaparece en los metales, con un eco claramente bélico y es interrumpido tres veces por las cuerdas y maderas con la segunda frase, que a pesar de su tempo lento, conserva el carácter de danza. La última interrupción estalla en un triunfal do mayor y el flautín, con una figuración que recuerda al flabiol, introduce el Contrapàs de Sant Genís. La alegría y la normalidad que desprende este tema popular es puesta en entredicho por la aparición del motivo inicial, introducido en pianissimo por las cuerdas.

La tensión aumenta y el Contrapàs da paso a la segunda frase del Ballet de Muntanya, reforzada por una versión ampliada del motivo inicial en los metales, que nuevamente nos evoca aires de batalla con resultado todavía incierto. El saxo vuelve a expresar su lamento acompañado por una escala cromática descendente, que no deja dudas sobre el trágico desenlace y la música, ya sin esperanza, se va deshinchando hasta desaparecer.

La Suite acaba con un brillante allegro molto, que contrasta con el pesimismo del lamento anterior. Unas efectivas pausas suavizan la transición y nos presentan el Ball cerdà de la Seu de Urgell, primero de un modo fragmentado y finalmente completo.

Este periodo fue también notable por varios trabajos orquestales, incluyendo las "Variaciones sobre un tema de Frank Bridge" Op.10, escritas en 1937 para orquesta de cuerdas, el "Concierto para piano y orquesta" Op.13 de 1938 que tiene la forma de suite, estrenándose en un concierto de los famosos Proms con el propio compositor como solista y el "Concierto para violín y orquesta" Op.15 compuesto en 1939, cuatro meses después de la salida de Britten hacia los Estados Unidos y estrenado en New York.

En 1939 puso música a las poesías de Arthur Rimbaud, en "Les Iluminations" Op.18, dedicadas a Peter Pears y a Wulff Scherchen, hijo del director Hermann Scherchen. Wulff que tenía entonces 18 años fue el primer enamoramiento serio de Britten. Rimbaud había escrito parte de sus versos en Londres también durante su juventud, mientras vivía su tempetuosa relación con el poeta Paul Verlaine.

Britten compartió un apartamento en Londres con Peter Pears, que pronto se convertiría en su verdadero amor. En el mes de abril de 1939, año en el que empezó la segunda guerra mundial, ambos siguieron a Auden a los Estados Unidos.

En América Britten compuso la opereta "Paul Bunyan" Op.17, inspirada en el personaje homónimo, primera obra lírica con libreto de Auden, así como el primer ciclo de canciones para Pears. Otra de las obras escritas en tierras americanas es la obertura "Canadian Carnival" Op.19 de 1939.

La “Sinfonía  da Requiem” Op.20 fue compuesta en 1940 después de una petición que tiene una curiosa historia. A principios de otoño de 1939 recibió un encargo del British Council para componer una obra sinfónica destinada a una celebración especial de un poderoso país.

El British Council, el Consejo Británico, es un ente público que tiene por misión la difusión de la lengua y cultura inglesa. Es parecido al Instituto Cervantes de España o al Goethe-Institut de Alemania.

Después de aceptar el encargo, Britten se enteró de que el país demandante era el Japón, cuyo gobierno había pedido obras a diversos compositores de algunos países, para la celebración del 2600º aniversario de la dinastía reinante.

La Familia Imperial del Japón es la dinastía hereditaria más antigua del mundo. La casa imperial reconoce a 125 monarcas, empezando por el legendario Emperador Jimmu, que la tradición data en el 11 de febrero del año 660 antes de Cristo. Sin embargo no existe una evidencia histórica de los 25 primeros emperadores. Esta dinastía continúa sin interrupción, pasando de padres a hijos, hasta llegar al actual Emperador Akihito. Según la Constitución del Japón el emperador es el símbolo del Estado y de la unidad de su pueblo.

El Japón había desarrollado un gran acercamiento a la música clásica occidental contratando a numerosos músicos para la formación de sus propias orquestas. Además de Britten otros compositores habían recibido peticiones de componer obras para la celebración del aniversario, entre ellos Richard Strauss y el francés Jacques Ibert.

Pasaron seis meses antes de que Britten recibiera el contrato del Japón. Este retraso hizo que solo le quedaran seis semanas para completar su trabajo. Mientras había empezado a escribir una sinfonía, la única obra que podría terminar a tiempo para la celebración de la fiesta en el año 1940.

En esta época Britten se encontraba en los Estados Unidos. Visitó al cónsul local para exponerle su proyecto, la Sinfonía de Réquiem. Sin recibir comentarios contradictorios terminó su obra, sin tener ninguna noticia sobre la misma durante los siguientes seis meses.

En el otoño de 1940 fue citado por el consulado del Japón para que leyera una carta enviada por el Vizconde Hidemaro Konoye, organizador de la celebración.

En la carta se informaba al compositor que con su obra insultaba a una potencia amiga, al presentar una obra cristiana donde el Cristianismo era inaceptable. Tenemos miedo de que el compositor haya entendido mal nuestro deseo... La música posee un tono melancólico, tanto en sus modelos melódicos como rítmicos, que la hacen inaceptable para la interpretación en ocasión de nuestra ceremonia nacional.

Britten redactó una apropiada respuesta a la carta, diciendo que era un cristiano de una nación cristiana y que no deseaba de ningún modo insultar con su obra. Por otra parte no había tenido tiempo para escribir una obra nueva. Trasladada su réplica al consulado no tuvo ninguna respuesta. Poco tiempo más tarde llegó el ataque de Pearl Harbor rompiéndose las relaciones entre el Reino Unido y el Japón.

La sinfonía se estrenó el 29 de marzo de 1941 en el Carnegie Hall de New York, interpretada por la New York Philharmonic dirigida por John Barbirolli, siendo bien recibida por el público asistente. No se presentó en Japón hasta el 18 de febrero de 1956, interpretada por la NHK Symphony Orchestra dirigida por el propio compositor.

La sinfonía es una obra para orquesta en tres movimientos, que se interpretan sin interrupción, usando los títulos del Réquiem católico. Era la primera obra sinfónica importante escrita por el joven Britten.

Está orquestada para tres flautas, piccolo, dos oboes, corno inglés, tres clarinetes, clarinete bajo, saxofón contralto, dos fagots, contrafagot, seis trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, timbales, bombo, tambor, pandereta, platillos, látigo, xilofón, dos arpas, piano y cuerdas.

El primer movimiento, Lacrymosa, empieza con un lamento en forma de marcha lenta marcada por la percusión. El primer tema de ambiente doloroso es presentado por los violoncelos y contestado por un solo del fagot. El segundo tema consiste en una amplia melodía que nos conduce a su clímax. El tercer tema está formado por breves acordes alternados entre la flauta y los trombones. Después de la sección de desarrollo termina con la recapitulación de la marcha inicial. Mediante una nota sostenida se une al siguiente movimiento.

El segundo movimiento, Dies irae, correspondería al scherzo de la sinfonía. Un motivo rítmico adquiere el significado de una Danza de la Muerte. El motivo dominante es presentado por las flautas. Las trompetas interpretan un rápido motivo de notas repetidas y el saxo un calmado motivo. Una melodía lenta es seguida por el ritmo sincopado del metal. Estos motivos van alternando, llevándonos a una serie de clímax que acaban desintegrándose y conduciéndonos sin pausa al movimiento final.

El tercero y último movimiento, Requiem aeternam, empieza muy lentamente mediante un motivo interpretado por las flautas acompañadas por la cuerda y las arpas. Un lamento en forma de marcha que nos conduce a un clímax.

En la parte central la cuerda presenta una melodía ondulante, hasta llegar a un breve clímax con sugestiones de una futura guerra, para volver al tema inicial, acabando la obra mediante una larga nota sostenida del clarinete, una reflexiva parte, con un optimista final de esperanza deseando la paz.

Según el compositor la obra no posee ninguna asociación con la liturgia. Describe sus movimientos como un lento lamento en forma de marcha, una especie de Danza de la Muerte y una final resolución.

La sinfonía fue compuesta a la memoria de sus padres y como una reacción contra la guerra que se avecinaba. Britten era un pacifista como se puede ver en un artículo publicado el 27 de abril de 1940 en el New York Sun. Transcribiendo sus palabras, Lo hago de forma en contra de la guerra, tanto como sea posible... No creo que se puedan expresar teorías sociales, políticas o económicas a través de la música, pero mediante la unión de la nueva música con frases musicales bien conocidas, pienso que es posible ir más allá de ciertas ideas... sobre todo estoy seguro de mi propia convicción en contra de la guerra cuando la escribo.

La "American Overture" fue compuesta en 1941 para la Cleveland Orchestra y el director Arthur Rodzinski pero no llegó a estrenarse. La última obra escrita en los Estados Unidos, terminada en el mes de octubre de 1941, es la "Scottish Ballad" Op.26 para dos pianos y orquesta, en la cual emplea temas del folclore de Escocia.

Britten y Pears regresaron a Inglaterra en 1942. Durante el viaje en el barco el compositor terminó las obras corales "Hymn to St. Cecilia" Op.27 para coro a capella, su última colaboración con Auden y "A Ceremony of Carols" Op.28 para coro infantil y arpa, con los que muestra su dominio del canto coral.

La "Serenata para tenor, trompa y cuerdas" Op.31 compuesta en 1943 para Peter Pears y Dennis Brain consiste en un ciclo de poemas de varios autores con intervenciones de la trompa solista.

Uno de los mayores éxitos de Britten fue el conseguido con la ópera "Peter Grimes" Op.33 estrenada en Londres en junio de 1945 y luego en los Estados Unidos en Taglewood por Leonard Bernstein en 1946. Una obra dominada por el mar y que contiene importantes fragmentos orquestales como los "Cuatro Interludios Marinos" Op.33a y la "Passacaglia" Op.33b, que se suelen interpretar independientemente de la ópera.

Pero una de las obras más conocidas y populares de Britten es "The Young Person's Guide to the Orchestra" Op.34. Guia de orquesta para jóvenes compuesta en 1945. Una obra didáctica compuesta para acompañar a Instrumentos de la orquesta, una película educativa producida por el gobierno británico, dirigida y narrada por Malcolm Sargent.

La obra tiene por subtítulo Variaciones y fuga sobre un tema de Henry Purcell y toma una melodía de Abdelasar como tema central. Britten creó variaciones individuales para cada sección de la orquesta, comenzando por las maderas, luego las cuerdas, los metales y finalmente los instrumentos de percusión. Luego lleva a la orquesta completa a una fuga, antes de retomar el tema para concluir la obra. La narración original con comentarios se omite frecuentemente en conciertos y grabaciones.

Desde 1942 Britten se había instalado en el pueblo pesquero de Aldeburgh, en la costa este de Suffolk. Empezó a encontrar oposición en el ambiente musical de Londres y gradualmente salió de escena para fundar el Grupo de ópera inglesa en 1947 y el Festival de Aldeburgh al año siguiente, con el objetivo, aunque no exclusivo, de interpretar sus propias composiciones.

La “Spring Symphony” Op.44 fue compuesta en 1949 estrenándose en el Concertgebouw de Amsterdam el 14 de julio de 1949 durante el Festival de Holanda, interpretada por el tenor Peter Pears. la soprano Jo Vincent, la mezzosoprano Kathleen Ferrier con la orquesta y coros del Concertgebouw bajo la dirección de Eduard Alexandre van Beinum.

Utiliza una gran orquesta con maderas por triplicado, dos arpas y una gran sección de percusión. Está dedicada a Serge Koussevitzky y la Orquesta Sinfónica de Boston. No se trata de una sinfonía en sentido convencional. Es una sinfonía coral escrita para soprano, mezzosoprano, tenor, coro mixto, coro de niños y orquesta.

Los textos usados pertenecen a diversos poetas, principalmente de los Siglos XVI y  XVII, como Edmund Spenser, John Clare y George Peele. Como excepción encontramos un poema de su amigo W. H. Auden, Cut on the lawn I lie in bed.

Según las palabras del propio compositor, la obra representa el progreso del invierno a la primavera y el retorno al despertar de la tierra y la vida que esto significa. Está dividida en cuatro partes que corresponden a los movimientos de una sinfonía convencional.

La primera parte es un allegro con una extensa introducción lenta. Empieza con la misteriosa y obscura Shine Out para coro mixto, brilla sol, un poema al sol de autor anónimo. Sigue con The Merry Cuckoo de Edmund Spenser, el mensajero de la Primavera, cantado por el tenor. Luego continua con Spring, the Sweeet Spring de Thomas Nashe, Primavera, dulce Primavera, interpretado por la soprano, mezzosoprano, tenor y coro mixto.

Después The Driving Boy, el joven conductor de bueyes, de George Peelle y John Clare es cantado alegremente mediante un solo de la soprano y coro de niños, que silban acompañados por la pandereta. Termina con The Morning Star, la estrella de la mañana, de John Milton para coro mixto.

La segunda parte corresponde al movimiento lento, compuesta por diferentes solos con referencias al mes de mayo. Empieza con Welcome, Maids of Honour , bienvenidas Damas de Honor, de Robert Herrick para mezzosoprano, siguiendo con Waters Above! de Henry Vaughan para tenor, terminando con Out on the lawn I Lie in bed de W. H. Auden, me acuesto sobre la hierba en una noche de verano, una tranquila página interpretada por la mezzosoprano y coro mixto.

La tercera parte es el scherzo de la obra compuesta por varias canciones, que nos llevan al mes de mayo y luego al verano. Empieza con When will my May Come? de Richard Barnfield interpretada por el tenor, siguiendo con Fair and Fair de George Peele para soprano y tenor. Termina con Sound the Flute!  de William Blake para coro femenino, coro masculino y coro de niños.

La cuarta parte es el finale de la sinfonía. Empieza con London, to Thee I do Present, Londres a ti te presento, un poema anónimo iniciado por el tenor y la soprano, que nos conduce a un clímax cuando todo el coro se une en un vals sin palabras, representando al mes de mayo. El clímax del movimiento llega en el momento en que las voces de los niños acompañadas al unísono por las trompas vuelven a entrar en escena, cantando una rondalla anónima del Siglo XIII Summer is icumen in, el verano ha llegado. Un tema sencillo cantado en un ritmo de 2/4.

Finalmente la fiesta termina con las palabras de The Knight of the Burning Pestle de Francis Beaumont para soprano, mezzosoprano, tenor, coro mixto y coro de niños. El Maylord  ofrece una bendición final con la proclama  And so, my friends, I cease.

"Gloriana" Op.53 es la sexta ópera de Britten. Compuesta en 1953 toma su nombre del apodo puesto a la Reina Isabel I, una obra que trata sobre su trágica vida. El propio compositor realizó una suite sinfónica para concierto, en la que destaca su música ceremonial evocando tiempos pasados.

"The Prince of the Pagodas" Op.57 es la única obra escrita específicamente para ballet. Basado entre otros en el tema de la Bella y la Bestia construye un cuento de hadas en el escenario del país de las pagodas. Emplea música tradicional para gamelan, escuchada durante un viaje a la isla de Bali en Indonesia efectuado en 1956.

"Noye's fludde" Op.59. el Diluvio de Noé, terminada en diciembre de 1957, es una ópera en un acto basada en el texto de una obra medieval, del ciclo de misterios de Chester. En su reparto prevalecen las voces de niños.

El "War Requiem" Op.66 culmina el segundo periodo creativo del compositor, alcanzando su mayor éxito. Ell Réquiem de Guerra, una obra en la que Britten mezcla la música de difuntos con una selección de poemas de Wilfred Owen, fue escrita por encargo para la reapertura de la Catedral de Coventry en 1962.

Su intención era que esta obra fuese una manifestación contra cualquier tipo de conflicto bélico, una denuncia de la irracionalidad e inutilidad de la guerra, y que se convirtiese en un símbolo de un nuevo espíritu de unidad, de reconciliación en plena Guerra Fría.

Para ello reunió a un trío de solistas que provenían de las tres naciones europeas que más protagonismo habían tenido en la guerra, el barítono alemán Dietrich Fischer-Dieskau, el tenor inglés Peter Pears y la soprano rusa Galina Vishnévskaya.

La “Sinfonía para violoncello y orquesta” Op.68 es una de las obras escritas para Mstislav Rostropovich. Fue empezada durante el otoño de 1962 enviando el primer movimiento a Rostropovich en el mes de noviembre, pero por diversas circunstancias no la pudo terminar hasta el mes de abril de 1963. No se pudo estrenar durante su viaje a la Unión Soviética, ni durante el Festival de Aldeburgh de dicho año.

Britten regresó a la Unión Soviética a principios de 1964 y en el curso de este viaje pudo dirigir su estreno interpretada por la Orquesta Filarmónica de Moscú junto con Mstislav Rostropovich, en la Gran Sala del Conservatorio de Moscú el 12 de marzo de 1964.

Fue la primera obra orquestal sobre el principio clásico de la sonata escrita por Britten en veinte años y seguiría siendo su única obra importante de música sinfónica absoluta.

El título de la obra refleja un mayor equilibrio entre el solista y la orquesta, que en el tradicional formato de concierto, compartiendo todo el material melódico importante. Compuesta en los cuatro movimientos habituales de una sinfonía, pero estando los dos últimos movimientos unidos por una cadenza.

El primer movimiento, allegro maestoso, ​comienza mediante una introducción retórica del violoncelo, en un estilo que recuerda lo que el compositor debe a Purcell. Esto nos conduce a una forma sonata simple donde los papeles del solista y la orquesta se invierten en la reexposición.

El segundo movimiento, presto inquieto, corresponde al scherzo. Utiliza un motivo de tres notas de modo contrapuntístico. Es un tour de force técnico, cada fragmento melódico y armónico utiliza el mismo grupo de células temáticas; sin embargo a pesar de su construcción rigurosamente intelectual, este movimiento tiene una atmósfera de ansiedad y una intensidad sin igual.

El tercer movimiento, adagio, es de carácter elegíaco con un tema principal de carácter descendente. Vuelve a mostrar las influencias barrocas en sus ritmos doblemente punteados. El segundo tema presentado mediante el violoncelo y un solo de trompa anticipa el tema principal del final. Termina con una cadenza del solista, que sin pausa nos conduce al movimiento final.

El cuarto movimiento, passacaglia, andante, allegro, presenta una passacaglia de una concepción más armónica que melódica. La secuencia de acordes sobre la que reposa es anunciada por el solista sobre el solo de trompeta inicial. El tema es transformado mediante seis variaciones y una coda.

Además de su docena de óperas Britten compuso tres oratorios o como especifica Parables for Church Perfomance. Entre ellos se encuentra "The Burning Fiery Furnace" Op.77 de 1966. El horno de fuego ardiente se basa en el relato bíblico de los tres jóvenes israelitas, que Nabucodonosor manda quemar en un horno siendo salvados finalmente por un ángel. Para ello emplea un lenguaje musical muy moderno, creando un mundo sonoro exótico y a la vez arcaico.

"The Golden Vanity" Op.78 es un vaudeville escrito para coro de muchachos y piano compuesto en 1966. Es una ingenua dramatización de una antigua balada  inglesa.

En su última década, la salud de Britten, especialmente su corazón, se fue resintiendo progresivamente. De sus últimos trabajos cabe destacar las óperas "Owen Wingrave" Op.85 de 1970, así como la dramática cantata "Phaedra" Op.93 de 1975, compuesta para Janet Baker sobre la obra de Racine.

"Death in Venice" Op.88 es una ópera basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Se estrenó el 16 de junio de 1973 cerca de Aldeburgh. Fue compuesta para el tenor Peter Pears, pareja y compañero de vida del compositor, quien personificó al anciano Aschenbach mientras que el joven Tadzio está interpretado por un bailarín.

El argumento de la obra es bastante sencillo. Un maduro escritor Gustav von Aschenbach preocupado por su aparente falta de inspiración literaria, pasea desconsoladamente por los suburbios de Múnich. En una iglesia un extranjero, un trabajador transalpino, le aconseja viajar al sur en busca de una nueva vida.

Venecia es una excelente elección y allí se encuentra con un bello muchacho polaco, Tadzio, de vacaciones con su familia. Se enamora locamente del joven en contra de todos sus principios morales. Un amor platónico sin tener nunca contacto físico con el muchacho.

Venecia se encuentra en el centro de una epidemia de cólera. Cuando se da cuenta de que todos los veraneantes han abandonado la ciudad, rechaza salir para continuar cerca del muchacho, cuya familia ha tardado en marchar y como resultado muere víctima de la enfermedad en la playa, mientras contempla los juegos del joven.

Britten fue nombrado Companion of Honour con motivo de la Coronación de Isabel II en 1953 Recibió la Orden del Mérito del Reino Unido en marzo de 1965. El 2 de julio de 1976 recibió el título de Barón Britten de Aldeburgh, convirtiéndose, en el primer músico o compositor que recibió un título nobiliario.

Falleció el 4 de diciembre de 1976 de insuficiencia cardíaca, en su casa de Aldeburgh. Fue inhumado en la iglesia de San Pablo. La tumba de su pareja, Sir Peter Pears está junto a la suya.

Entre los críticos existe unanimidad en considerar a Britten como uno de los grandes compositores ingleses del siglo XX. En la década de 1930, sin embargo, el compositor realizó importantes esfuerzos para apartarse de la corriente principal de la música de su país, que le parecía complaciente, insular y amateur. Muchos críticos de aquella época, devolviendo gentilezas, se quejaban de su facilismo, espíritu cosmopolita y de su admiración por compositores como Stravinsky o especialmente Berg, considerados malos ejemplos para un joven músico inglés.

Algunos aspectos de la personalidad de Britten son polémicos y han dado lugar a controversias, como sus inclinaciones políticas, especialmente su pacifismo durante la Segunda Guerra Mundial y su sexualidad. La publicación en 1992 de su biografía escrita por Humphrey Carpenter, con sus revelaciones sobre las frecuentes y peligrosas relaciones sociales, profesionales y sexuales de Britten confirmaron su carácter de figura controvertida.

En 2003 una selección de escritos de Britten editados por Paul Kildea, revelaron otras de sus inclinaciones, incluyendo detalles y anécdotas sobre su pacifismo. Un estudio posterior según se publicó en el libro Los jóvenes de Britten, de John Bridcut, en 2006 revela el capricho del compositor por una serie de adolescentes a lo largo de su vida.

Para la mayoría de los músicos, sin embargo, la técnica de Britten, su tolerancia musical y humana, y la habilidad para tratar la más tradicional de las formas musicales con frescura y originalidad, lo ubican a la cabeza de los compositores de su generación.